GRAINDELAVOIX

Vêpres chypriotes (ca 1430)

Jeudi 10 novembre - 20h

Exceptionnellement, les Rendez-Vous Contemporains accueilleront de la musique ancienne !
Subjugués par le magnifique travail de ensemble vocal de BJÖRN SCHMELZER, nous avons trouvé un lien évident entre l'exploration des sonorités et timbres de cette musique du 15ème siècle et le travail sur le son de certains musiciens et compositeurs contemporains.

Nous sommes donc très heureux d'accueillir, en partenariat avec la Fondation Royaumont le GRAINDELAVOIX pour ce concert de sortie d'album.

Vêpres chypriotes (ca 1430)
Motets de Jean Hanelle, Chants de tradition byzantine et maronite.

Autour des motets de Jean Hanelle conservés dans le manuscrit de Turin et composés à Chypre (dernier bastion Catholique au XVe s.) par ce compositeur originaire de Cambrai mais évoluant au sein de la cour Normande qui gouvernait Chypre, Graindelavoix dévoile la magie des répertoires sacrés méditerranéens au travers des liens qui unissent la polyphonie savante occidentale au chant byzantin, ainsi qu’aux traditions maronite et soufie. Par cette proposition, c’est toute la tradition d’interprétation du répertoire tardif
du gothique flamboyant qui est remise en question. La prise en compte d’un contexte traversé par différentes traditions qui coexistent permet de court-circuiter, par la pratique, la représentation même que l’on se fait du répertoire de l’ars subtilior.
Les chanteurs qui composent Graindelavoix composent, au sens le plus subjectif, avec leur histoire, leur culture et leur… grain de la voix. Venant de différents pays (Belgique, Estonie, Grèce, Roumanie, Etats-Unis, France, Hollande, Syrie, Maroc), Björn Schmelzer intègre et assimile la diversité des cultures pour nourrir de l’intérieur son interprétation des répertoires oubliés. Graindelavoix réconcilie d’une manière inouïe le plaisir de la musique à la pensée en mouvement. C’est aussi ce qu’offrent l’histoire et l’écrin de l’abbaye de Royaumont. En résidence pour trois ans à Royaumont, Graindelavoix
travaille en 2016 sur le XVe siècle et Guillaume Du Fay, au croisement d’influences multiples jamais prises en compte dans l’interprétation. Une autre révolution se prépare.

GRAINDELAVOIX / BJÖRN SCHMELZER (dir)
avec Anne-Kathryn Olsen, Razek-François Bitar, Albert Riera, Andrès Miravete, Adrian Sîrbu, Marius Peterson, Tomàs Maxé, Bart Meynckens et Jean-Christophe Brizard.

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OISEAUX-TEMPÊTE & Guests
KARKHANA
MOSHE O'GRADY

Free-Post (Paris) + Free Middle-Eastern Music (Beyrouth - Le Caire - Istanbul) + warm-up drone (Paris)

Mercredi 09 novembre - 20h30

Les Rendez-Vous Contemporains de Saint Merry, Babbel Productions & AFX Booking présentent un concert inédit de OISEAUX-TEMPÊTE [featuring Paul Régimbeau (Mondkopf) & Stéphane Rives], KARKHANA + MOSHE O'GRADY

►KARKHANA
Free Middle-Eastern Music (Beyrouth - Le Caire - Istanbul)
Regroupant quelques uns des improvisateurs les plus innovants de Beyrouth, d'Istanbul ou du Caire, KARKHANA voit le jour en février 2014 avec la vision ambitieuse d'embrasser les éléments musicaux des trois grandes scènes expérimentales de la région - Liban, Egypte, Turquie. Assemblage unique combinant free-jazz, envolées psychédélique et éléments musiciaux traditionnels (shaabi, tarab...), ce "supergroupe" s'appuie sur les capacités multi-instrumentales de ses membres tels que Sam Shalabi (Molasses, Shalabi Effect, Constellation Records), Sharif Sehnaoui & Mazen Kerbaj (Al Maslakh, Annihaya Records), Maurice Louca (Nawa Recordings), Umut Çağlar (KonstruKt) & Tony Elieh (Scrambled Eggs)... Terrain de jeu et de surprises tant pour l'auditeur que pour eux-même, KARKHANA invente la nouvelle musique libre du Moyen-Orient.

"This Middle Eastern supergroup first got together to celebrate the music of Egyptian surf guitarist Omar Khorshid – who was also a key figure in Oum Kalthoum’s orchestra – but their remit has expanded somewhat and now they’re fully committed to outer-perimeter explorations in Krautrock-leaning, cosmic free jazz" - The Guardian

"Imagine a cross between Kluster and Taj Mahal Travellers with a Middle Eastern feel" - Clear Spot
 
Mazen Kerbaj: trompette,mezmar
Umut Çağlar: anches,flutes
Sam Shalabi: oud, guitare
Sharif Sehnaoui: guitare
Maurice Louca: orgue
Tony Elieh: basse
Michael Zerang: batterie & percussions
http://www.karkhana-music.com/
https://soundcloud.com/karkhana

►OISEAUX-TEMPÊTE feat. PAUL REGIMBEAU (Mondkopf) & STEPHANE RIVES
Free-Post (Paris)
Formé à Paris en 2012 par les multi-instrumentistes Frédéric D. Oberland & Stéphane Pigneul, OISEAUX-TEMPÊTE (Sub Rosa) développe à géométrie variable et à l'âme une musique expérimentale fievreuse et provocatrice. En 2013, en collaboration avec le photographe Stéphane Charpentier ils ramenaient de voyages en Grèce les éléments d'une déflagration annonçant la contagion d'un bouleversement politique dont il est assez facile à présent de mesurer l'embrasement ; un premier album assumant ses langueurs cycloniques comme ses explosions orageuses. Pour ÜTOPIYA? (2015) les voyages se déplacent à Istanbul et en Sicile, le groupe s'élargit avec l'arrivée de G.W.Sok (ancien chanteur de The Ex) et de Gareth Davis à la clarinette basse ; plus indomptable, plus punk, leur odyssée sonique autour de la mer Méditerranée s'électrise et s'orientalise. UNWORKS & RARITIES (mai 2016, bilan d'inédits et de miscellanées) inclut ce même line-up enluminé par les percussions de Ben McConnell, Sylvain Joasson ou Jean-Michel Pirès et la présence cosmique de Christine Ott aux ondes martenot. Enregistré entre Beyrouth et Paris, le dernier volet de leur trilogie est prévu pour Mars 2017. OISEAUX-TEMPÊTE y convie la fine fleur de la nouvelle scène DIY du Moyen-Orient (Charbel Haber, Sharif Sehnaoui, Ali El Hout & Abed Kobeissy, Youmna Saba, etc) à dialoguer avec l'électronique vibrante de Paul Régimbaud (Mondkopf, Autre Noir), le souffle free de Stéphane Rives et les poèmes de Al-Maa'ri ou de Mahmoud Darwish.

"Transfigurer le chaos en beauté absolue. Oiseaux-Tempête donne dans l'ascensionnel sanglant, la montée métaphysique, le renversement de toutes les valeurs de la pop érigé en sentiment. Fatalement, c'est du lourd, et c'est très impressionnant." - The Drone
 
"Non content d'être l'une des formations françaises les plus intéressantes du moment sur disque, Oiseaux-Tempête est également entrain de proposer l'une des expériences live les plus étourdissantes de l'Hexagone." - New Noise Magazine
 
Frédéric D. Oberland: guitare, saxophone alto
Stéphane Pigneul: basse VI, moog
Sylvain Joasson: batterie & percussions
Paul Régimbeau: synthés analogique
Stéphane Rives: saxophone soprano
http://www.oiseaux-tempete.com/
https://soundcloud.com/oiseaux-tempete

►MOSHE O'GRADY 
warm-up drone (Paris)
Obsessionnellement, MOSHE O'GRADY rend hommage au travail des maîtres du minimalisme primaire. Note tenue, résonance harmonique et développement lent. 
"Draw a straight line and follow it"  - La Monte Young.
 
Moshé O'Grady: guitare

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soundinitiative

créations musicales performatives

Vendredi 28 octobre - 20h30

Les Rendez-Vous Contemporains accueillent à nouveau l'ensemble soundiniative pour une soirée riche en performances et créations.

Le programme en détail :

►Layeredspace
installation sonore
Joshua Hyde, Benjamin Soistier, Winnie Huang & Caleb Salgado

►Desert surface, Euphrates from the desert escarpment, eastern edge
pour ensemble & bande
Charlie Usher

►Discreet Observations for your Family's Peace of Mind,
pour 5 performers, 2 percussionistes, vidéo & bande
Jessie Marino

►Reality & Secrets no. 2 Part II
oeuvre acousmatique
Natasha Barrett

►Faction
pour piano, percussion & guitare électrique
Raphael Cendo

►:such: + soundinitiative
pour cassettes amplifiées & ensemble

soudinitiative est soutenu par la Direction régionale des affaires culturelles d'Île-de-France - Ministère de la Culture et de la Communication

"A l'improviste" spécial CRAK #5

Retrouvez la 5ème édition du festival sur France Musique

"A l'improviste" tous les jeudis de 23h à minuit

"A L'improviste", le rendez-vous des musiques improvisées proposé par Anne Montaron sur France Musique, revient sur la dernière édition du festival Crak.

Ecouter l'émission en ligne ou récupérer le podcast

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Collectif WARN!NG

Bienvenue chez WARN!NG

Vendredi 21 octobre - 20h

Entre 20h et 23h, vous êtes conviés à vous napper d'ondes et vibrations que les membres du collectif sèmeront dans l'église S-Merri.
La soirée-festival prendra la forme d'une promenade parmi les représentations.

Au menu de cette soirée gourmande :
.La Nuit acoustique - scène 1
.duo Alvise Sinivia (piano) / Giani Caserotto (guitare)
.acousmonium alcôme - Cheval de 3 #2
.quatuor IMPACT - Les Automates de Descartes
.La Nuit acoustique - scène 2
.ToDO #2
.La Nuit acoustique - scène 3
.Solo #1 (Giani Caserotto, guitare)
.Solo #2 (Julia Robert, alto)
.Le son n'a pas de jambes sur lesquelles se tenir
.Open Calls, de et par Sylvain Devaux
.La Nuit acoustique - scène 4
.La Nuit acoustique - scène 5

Le collectif WARN!NG est un label de spectacle vivant. Sous cette dénomination originale, issue du monde phonographique, sont regroupés des musiciens, pour la plupart issus du Conservatoire de Paris. Ce microcosme bouillonnant de créativité se propose d’insuffler un vent de fraîcheur dans le monde musical.

Les projets hébergés par le collectif sont essentiellement consacrés à la nouveauté musicale, et WARN!NG souhaite favoriser en son sein l’émergence d’artistes audacieux. L’improvisation, l’espace, le mouvement, la scénographie, les nouvelles technologies, le texte, décuplent les éléments de vocabulaire possibles pour des projets qui ont en commun une certaine idée de la création aujourd’hui. Cette idée repose essentiellement sur un processus qui place au centre la relation particulière entre compositeurs et interprètes, chacun possédant une culture, un imaginaire, des techniques, un langage d’improvisateur, qui sont autant de richesses. C’est ce mode d’inscription dans la sociologie du monde artistique qui rend possible un travail original.

►La Nuit Acoustique - spectacle du Collectif WARN!NG et de Laurent Durupt
La Nuit Acoustique est un spectacle qui s’articule autour des propositions musicales de Laurent Durupt et Alexandros Markeas. L’argument fondamental de cette création originale est une lecture lucide, parfois cynique, souvent comique, de documents traitant du son comme moyen de manipulation. Faisant référence dans le titre à l’une des dernières lettres d’Urlike Meinhof décrivant ses sensations issues de la torture par la privation sensorielle, ce spectacle, coécrit par les interprètes et les compositeurs, ne se veut ni alarmiste, ni didactique, encore moins moralisateur ; c’est un espace d’écoute de ces sons détournés par la science et l’armée, que les membres de WARN!NG se réapproprient.
La Nuit Acoustique sera le fil conducteur de la soirée. Les différentes scène du spectacle seront à découvrir tout au long de la soirée ; en arpentant le temps et les volumes généreux de l'église Saint-Merri.

►Le son n’a pas de jambes sur lesquelles se tenir
Interprétation et création l Sabine Rivière et Alvise Sinivia
Le son n’a pas de jambes sur lesquelles se tenir explore la relation entre le corps et le piano ainsi qu’une manière différente d’exploiter l’instrument. Ce duo est un espace où le musicien et la danseuse ne se perçoivent plus comme tels. Ils n’ont plus leur rôle propre mais jouent une partition entremêlée, échangée, partagée. Comment la musique naît-elle de la nécessité de bouger ? De quelle manière faire sonner l’instrument en partant de l’engagement corporel ? Voici le point de départ de cette expérimentation. Le piano est exploité comme instrument musical multiple mais il est aussi concrètement utilisé en tant qu’appui physique. Il est un troisième corps, une troisième voix et devient un support de communication. De la fusion musicale et physique des trois corps naît une dimension plus théâtrale, un dialogue qui oscille entre soutien, complicité, manipulation, fusion, rejet, délire individuel et folie commune.
Ce duo est un extrait d’un cycle de création qui comprends plusieurs volets et qui sera développé par Alvise Sinivia à la Villa Médicis cette année.

►ToDO
Louise Hakim l danseuse
Carmen Lefrançois I saxophoniste
Comment intégrer dans la conception d’une œuvre musicale la dimension organique qu’induit le geste instrumental ? La question du format de l’écrit s’impose : comment graver le fruit d’échanges collectifs ? Quelle place laisser à la mémoire, tant auditive que visuelle ou corporelle ? À l’appréhension de l’instant ?
Les problématiques se génèrent mutuellement, se déploient comme un jeu de matrioshki. Un élargissement de l’espace scénique offre à rêver à la marge de l’incontournable écoulement du temps. par de fulgurantes traversées de l’espace, l’amplification suggère l’humainement inconcevable ; mais un principe de couplage, de duplication des êtres est privilégié pour observer les allers/retours fictifs dans ce temps.
Deux interprètes, une musicienne et une danseuse, incarnent une même entité. Toutes deux se déplacent, provoquent des sons, vivent, traversent ou rencontrent des situations.

►ToDO #2 avec des citations extraites du 1er tome, La présentation de soi, de La mise en scène de la vie quotidienne de Erving Goffman

►Open Calls pour hautbois et bande - Sylvain Devaux
La pièce propose une exploration de l’instrument, le hautbois, cherchant à ouvrir des possibles en se confrontant à sa technique et à ses limites. Cette recherche est à la source du matériau musical et participe de l’organisation de la forme : une transformation progressive de la monophonie à la polyphonie, de la polyphonie à l’harmonie. La micro-tonalité, les musiques indiennes et tribales ou encore les musiques de « drones » sont autant d’influences ayant contribué à forger l’esthétique musicale.
Après une introduction constituée de courtes sections et qui expose l’essence du matériau musical qui sera utilisé et développé par la suite, c’est d’un travail rythmique autour de différents “motifs” (“grooves”), qu’émerge peu à peu une sorte de danse tribale. C’est à l’apogée de cette danse, point de rupture dans l’activité musicale, que la section finale suggère une tout autre perception du temps. L’attention est alors moins centrée sur une “narration musical”, mais plutôt propose un environnement sonore immersif et un travail sur le spectre. Des résidus du discours initial y ressurgissent comme des souvenirs, reconfigurant le rapport sensible au matériau ainsi que notre perception du temps et du son.

►Quatuor IMPACT
Stéphanie Padel et Lika Laloum l violons
Julia Robert I alto
Anaïs Moreau l violoncelle
Les Automates de Descartes
Le quatuor IMPACT crée le projet Les Automates de Descartes suite à la rencontre de la jeune génération de compositeurs (Alessandro Perini, Simon Løffler, Simon Steen Anderson, Natacha Diels) au Festival de Darmstadt en 2014. Il intègre le collectif WARN!NG en 2016.
Le programme s'articule autour de six œuvres, dont deux créations. La démarche des interprètes est de travailler la relation entre le geste et le son, en jouant sur des illusions visuelles et sonores. Une des créations, composée sur mesure pour le quatuor par Alessandro Perini, s'intitule  Les automates de Descartes  et donne le nom au projet. Cette pièce  interroge la réalité de ce que l'on voit et de ce que l'on entend à travers quatre corps de musiciennes-machine.
Pour ce projet, les musiciennes collaborent avec Louise Hakim (chorégraphie et scénographie) et Johan Lescure (son et lumière).
Study for string instrument # 1 (2007) de Simon Steen-Andersen
« Movement of the sound or sound of the movement ? » Un simple sample est sans cesse répété pour être petit à petit disloqué en différents éléments individuels, dans un processus d’autonomie des mouvements eux-mêmes. La notation utilisée dans la pièce est essentiellement graphique. C’est autant une chorégraphie pour les interprètes qu’une pièce sonore pour les instruments. C’est un jeu chorégraphique –ou même une sorte de danse s’accompagnant elle-même.

►Acousmonium ALCÔME - Cheval de trois #2
Armando Balice, Livia Giovaninetti, Paul Ramage et Maylis Raynal I compositeurs et interprètes
Pour la deuxième fois, alcôme est  heureux de présenter sa nouvelle approche de l’interprétation acousmatique sur orchestre de haut-parleurs. Plutôt que de placer l’interprète comme chef d’orchestre unique de l’acousmonium, celui-ci prend la position d’un instrumentiste. Le projet Cheval de 3 s’apparente à un travail de musique de chambre. Un dispositif disposé en trois acousmoniums, trois consoles pour trois interprètes, chaque interprète a son instrument. Chaque pièce a été composée en six pistes spécifiquement pour ce dispositif. Chacune des six pistes est réparties en trois fois deux pistes pour trois interprètes en chargent chacun d'une stéréo simultanément! 
On garde ainsi les qualités d’une interprétation « traditionnelle » exécutée à partir d’un support audio stéréophonique en y ajoutant certaines propriétés du multipiste, tout en laissant un rôle capital aux interprètes dans la restitution de l’oeuvre en concert. Une nouvelle interprétation multicanale! 

FESTIVAL
DES CINÉMAS DIFFÉRENTS
ET EXPÉRIMENTAUX DE PARIS

JESUS DER FILM de Michael Brynntrup

Vendredi 07 octobre - 20h30

Pour la première fois en France sera présenté à l’Église St Merry l'adaptation « underground » du Nouveau Testament orchestré par Michael Brynntrup, le bien nommé Jesus Der Film. Film collectif composé de 35 épisodes réalisés par 22 cinéastes allemands, ce cadavre exquis laisse apparaître comme seul élément unificateur Michael Brynntrup interprétant lui-même le héros du film.

JESUS DER FILM de Michael Brynntrup
(RFA, 127minutes, 1987, Super 8 sur fichier numérique, version originale sous-titrée en français)

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Dans le cadre du 18ème Festival des Cinémas Différents et Expérimentaux de Paris (du 4 au 16 octobre 2016)
Tarif unique : 5 euros

Festival Crak #5

Jeudi 22 septembre - 20h30

.Erwan KERAVEC - cornemuse (solo)

.ENTROPIA - Performance, installation, vidéo, électronique
Fraction (Eric Raynaud) : son
Louis-Philippe Saint Arnault : image

Cette soirée s’inscrit dans le cadre des Rendez-vous de Némo, Biennale internationale des arts numériques.

Vendredi 23 septembre - 20h30

.Lee PATTERSON - dispositif électro-acoustique (solo)

.ONCEIM - Orchestre / acoustique & électronique

création : Les machines orphelines
composition : Jérôme Noetinger

Samedi 24 septembre - 20h à 5h30 du matin

.NUIT DE NOCE DE LA NOVIA

Le festival CRAK & Sonic Protest se réunissent pour accueillir Nuit de Noces, une nuit blanche autour du collectif La Nòvia.

Le festival Crak#5 est organisé en collabotration avec la Muse en Circuit (Centre National de Création Musicale),

Sonic Protest et la Biennale Nemo (Arcadi)

Découvrez chaque soirée en détail sur le site du festival

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Tarifs : soirée (15€ / 10€) // pass festival (35€ / 25€)
Réservations : cliquez ici pour accèder aux réservations

ONCEIM

nouvelles créations : Diagonales - Laminaire#3

vendredi 17 juin à 20h

L' ONCEIM et La Muse en Circuit propose depuis septembre 2015 à tous les habitants de Gonesse une nouvelle expérience humaine et musicale. Grâce à la mise en place de nombreux ateliers et d’installations participatives, chacun a pu trouver sa voi(e/x) musicale. Ce concert est la première restitution de ce grand orchestre d’un genre nouveau, dans lequel se mêlent la musique électronique et les voix, les instruments traditionnels et tous les objets sonores imaginables !

Programme :

►DIAGONALES de Benjamin Dousteyssier pour l'orchestre participatif de l'ONCEIM (ONCEIM + habitants de Gonesse) (50 mn)

entracte

►LAMINAIRE #3, nouvelle création de l'ONCEIM (35 mn)

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L'ONCEIM est soutenu par le Ministère de la Culture et de la communication / Drac Ile-de-France et par la SACEM

"La Divine comédie" de Bernard Parmegiani et François Bayle

par Jonathan Prager sur l'acousmonium Motus

vendredi 3 juin à 20h30

"La Divine comédie" de Bernard Parmegiani et François Bayle
d’après Dante

Le programme en détail :

►Bernard Parmegiani
Enfer [1972, révision 1974] 62’
Prologue : la découverte de l’ombre - 1ère contrainte ou Mal-Mort - 2ème contrainte ou Les Portes - 3ème contrainte ou L’Impouvoir - 4ème contrainte ou Les Abysses - 5ème contrainte ou Les Monstres - 6ème contrainte ou Le Nœud ardent - 7ème contrainte ou Le Crépuscule de l’Aube.

entracte

►François Bayle
Purgatoire et Paradis terrestre [1972] 71’
Prologue : Danse des chiffres - Chiffre 1 : L’ange de Dieu - Chiffre 2 : La vallée des Princes - Chiffre 3 : La porte - Chiffre 4 : Les sculptures - Chiffre 5 : Extase - Chiffre 6 : L’Ange-Feu - Chiffre 7 : Epreuve des flammes - Chiffre 8 : Béatrice - Chiffre 9 : Transparence - Chiffre 10 : Figure supérieure.

Le voyageur est Dante, représentant de l’homme “au milieu du chemin de la vie”.
Il recherche Béatrice, son amour de jeunesse enlevé par la mort. Conduit par son gourou Virgile, il “descend” au ciel par le seul chemin possible – celui des Enfers – qui transperce le monde pour conduire au Mont Purgatoire qu’il lui faut, toujours conduit par Virgile, patiemment gravir.
A son sommet ce dernier l’abandonne. Mais l’y attend Béatrice, qui l’aidera à “franchir l’espace” jusqu’au Paradis philosophique et stellaire.
Une traversée du feu de l’amour : celui de Béatrice, personnifiant la « mélodie de couleur », l’élan vers la forme du Son parfait.
>avec la voix de Michel Hermon, le narrateur.

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production : Motus, compagnie musicale
partenaires : La Muse en Circuit, Rendez-vous contemporains
concert soutenu par la spedidam
Motus est soutenu par : Ministère de la Culture et de la communication / Drac Ile-de-France au titre de l’aide aux ensembles conventionnés · Sacem-la culture avec la copie privée · Ville de Paris

Les séances du Collectif Jeune Cinéma

DISTRUKTUR ❖ FILMESPERFORMANCE

dimanche 29 mai à 20h30

Melissa Dullius et Gustavo Jahn ont fondé Distruktur en 2006 après avoir quitté le Brésil et emménagé à Berlin. Ils avaient commencé à faire des films en 1999, d'abord en super 8, puis en 16 mm. Après avoir rejoint le collectif LaborBerlin en 2007, ils ont introduit des méthodes artisanales dans leurs productions. En plus de concevoir et de produire leurs films, ils y apparaissent en tant qu'acteurs et musiciens, et s’occupent d'une grande partie du travail en laboratoire et de post-production.

L'œuvre de Distruktur, interdisciplinaire, se compose de films, d'installations, de performances, de photographies, d'écritures et de graphismes. Elle franchit les divisions entre art et film, expérimental et narratif, photographie et image en mouvement.Elle a été présentée dans de nombreux festivals et centres d’arts (Berlinale, Turin, le Festival international de Moscou, Videobrasil, New Museum de New York, Paço das Artes de São Paulo, le Centre d'art contemporain de Vilnius…)

À l’occasion de cette soirée unique à l’Église Saint-Merri, le duo présentera 3 performances composées de projections 16mm, cinéma élargi, interventions sonores et concert de rock.

Au programme :

►ÉTERNAU ALTERSTEREO

2011 / projection double projecteur 16 mm / couleur / son numérique / 25min

Éternau, c’est d’abord un court-métrage, un phantasme tropical multicolore rendant hommage – non sans ironie – à quelques clichés du cinéma du XXe siècle, aux vedettes excentriques et à l'éxotisme. Le film reproduit et réinvente cette imagerie dans une perspective spatio-temporelle éloignée. La performance prend ce film comme point de depart, tout en se situant dans la pure tradition du cinéma élargi. Elle implique une double projection en 16 mm accompagnée d'un collage sonore. Juxtapositions, échos, deformations, tempête chaude sonore… Tous les rushs qui y sont utilisés ont été filmés en studio et dans différents lieux naturels du sud du Brésil, entre 2004 et 2006.

►FILME DE PEDRA

Projet en cours depuis 2012 / 16 mm / n&b / son en live / durée variable

Cette performance traite de la dimension mythique des pierres. Filmées dans le style du cinéma muet, des images dépeignent deux personnages nomades qui traversent des champs et des villes, évoluant au travers de plusieurs couches de la civilisation. En contrepoint, des portraits de pierres provenant de différents endroits et recuillies pendant des années. Les fréquences visibles et audibles des pierres y sont reproduites et amplifiées, accompagnées de musique, de parole et de sons réalisés en direct.

►NAVEGAÇÃO

Projet en cours depuis 2013 / projection double projecteur 16 mm / couleur / son en live / durée variable

Navegação (Navigation) consiste en un concert de rock accompagné d’une cascade d'images. L'écran reste d’abord noir, puis des images. Filmés, développés à la main et tirés par Distruktur au LaborBerlin, des essais, des films de voyage, des animations et divers fragments montés en sequence. On y croisera différents aspects de la recherche expérimentale dans le champ du cinéma photochimique, un navire qui navigue sur une mer de formes, de couleurs et de textures – un corps en mouvement.

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Le site du collectif jeune cinéma

Festival EXTENSION

TRANSGENRE : 2E2M / ZEITKRATZER

jeudi 19 mai à 20h30

Transgenre résulte du croisement hybride entre deux courants majeurs des musiques d’aujourd’hui et de deux de ses acteurs décisifs, 2e2m (France) / zeitkratzer (Allemagne). Nourrie de l’échange entre deux traditions – celle de la musique savante écrite et celle de la transcription live de partitions électroniques – cette collaboration s’affranchit des genres pour un son hors limites !

La rencontre est née du désir de décloisonner les esthétiques de création et, tout en partageant des approches et des cultures musicales radicalement distinctes, de dégager la voie à une nouvelle énergie.

Au programme :

.Lou Reed : création d’une version acoustique de Metal Machine Music (Parts 1-4)

Reinhold Friedl : création mondiale de Kraft

2E2M, zeitkratzer _musique
Pierre Roullier _direction

Coproduction : 2e2m, zeitkratzer, La Muse en Circuit – CNCM
Avec le soutien de IMPULS Neue Musik, fonds franco-allemand pour la musique contemporaine

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Retrouver le détail de chaque soirée ainsi que tous les concerts du festival sur le site de La Muse en Circuit

Festival EXTENSION

Choeur Tac-Til + l'ONCEIM

mercredi 11 mai à 20h30

"Un chœur fait de souffles, de bourdons microtonaux, de voix organiques, liquides et gazeuses. Un chœur d’éther, spectral et concret où surgissent des glitchs sémantiques. Un chœur amplifié, qui effleure les oreilles. Un chœur dans la nuit, au détour du regard." Natacha Muslera.
En première partie, une nouvelle création du grand orchestre l’ONCEIM

Choeur Tac-Til

Chœur tac-til propose un concert-création où le spectateur-auditeur est plongé dans l’obscurité.
Du concert émanent des pièces vocales composées pour dix voix, impulsées et interprétées instantanément par le sens du toucher, à l’aide d’un Robot haptique, crée et adapté pour cet ensemble. Une écriture par contact se fabrique au sein du groupe, elle est polyglotte (10 langues + inventées), polyvoque, en modulation constante, éphémère, à peine écrite, elle s’efface aussitôt.

Mafalda Da Camara, Mélodie Duchesne, Gihane Elhassouni, Chérifa Harzallah, Angélique Huguenin, Franck Omer, François Parra, Karine Porciero, Alex Querel, Bruno Raby _voix
Robot haptique & Natacha Muslera _impulsion, composition

ONCEIM - nouvelle création collective

l’ONCEIM – Orchestre de Nouvelles Créations, Expérimentations et Improvisation Musicales – est un grand ensemble de trente musiciens de très haut niveau venant d’horizons musicaux variés. L’ONCEIM s’attache à élaborer, expérimenter, réinventer les processus de création et d’écriture de la musique ainsi qu'à repenser la relation compositeur-interprète.

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Retrouver le détail de chaque soirée ainsi que tous les concerts du festival sur le site de La Muse en Circuit

L'ONCEIM est soutenu par la Direction régionale des affaires culturelles d'Île-de-France - Ministère de la Culture et de la Communication

Coproduction : Gmem-CNCM-Marseille, Off-Cells
Diffusion : Le bureau Détonnant
Avec l’aide du Conseil Général des Bouches-du-Rhône dispositif chorale, et de la Région PACA pour la création des musiques savantes

SUPERNOVA

'satellite IV'

vendredi 29 avril à 19h30

De 19h30 à 23h avec en live Méryll Ampe, Cristian Vogel, Vadim Svoboda, Beepolar et Edith Progue et le phAUTOmaton de Philippe Boisnard.

Retrouver tous les détails de l'événement sur Facebook

Tarif unique : 10€

ENSEMBLE SILLAGES

'concert vibrations'

vendredi 15 avril à 20h30

Dans le cadre des Rendez-Vous Contemporains de Saint Merry, l’ Ensemble Sillages met en regard trois compositeurs habités par la relation de l’œuvre musicale à son environnement, à l’espace et au temps.
Mikrophonie I de Karlheinz Stockhausen, audacieuse et visionnaire, véritable invitation au voyage cosmique, a ouvert en 1964 des champs multiples à la création contemporaine. Six interprètes explorent la surface d’un tam-tam avec des accessoires insolites, récoltent les sons avec des microphones, les transforment avec des filtres et des potentiomètres. En jouant avec les hauteurs, les timbres et les intensités, ils façonnent l’entité spatiale du son.
Le travail des interprètes est tout aussi fondamental dans Cuarteto de Cuerdas número 2. Javier Torres Maldonado recherche la multidimensionnalité des sons par des gestes ondulatoires sur les instruments, donnant ainsi toute la puissance à sa composition.
Horizons inclinés de Jean-Luc Hervé nous fait percevoir le lieu autrement. Grâce à un dispositif acousmatique, les sons du violon se propagent mystérieusement, imprégnant l’espace d’une présence sonore organique.

Au programme :
Jean-Luc Hervé (1960)
Horizons inclinés (Ciacconia), aide à l’écriture de l’État, pour violon et dispositif acousmatique (création française)

Javier Torres Maldonado (1968)
Cuarteto de Cuerdas número 2, aide à l’écriture de l’État pour quatuor à cordes (création française)

Karlheinz Stockhausen (1928- 2007)
Mikrophonie I (1964) pour deux percussionnistes, deux microphonistes et filtres sonores

L’ensemble Sillages :
Direction artistique, Philippe Arrii-Blachette
Lyonel Schmit, Sullimann Altmayer - violons
Gilles Deliège - alto
Ingrid Schoenlaub - violoncelle
Hélène Colombotti, Maxime Echardour – percussions
Ève Payeur, Vincent Leterme – microphones
Jean-François Charles, Stéphane Sordet – filtres et potentiomètres

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Production : Sillages/DRAMA
Coproduction : La Muse en Circuit, Centre national de création musicale,
Les Rendes-Vous Contemporain de Saint-Merry
La diffusion de ce spectacle bénéficie du soutien financier de Spectacle vivant en Bretagne

Duo Tetsu Saitoh - Naoki Kita

Deux improvisateurs incontournables de la scène tokyoïte de passage à Paris

Tisha Mukarji

piano solo

dimanche 10 avril à 20h30

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Tetsu Saitoh - Naoki Kita

Tetsu Saitoh : contrebasse
Naoki Kita : violon

Tetsu Saitoh est l’un des contrebassistes les plus originaux, ingénieux et inventifs que l’on puisse entendre. Il exerce ses talents de l'improvisation libre au tango argentin en passant par le théâtre musical, le théâtre No, la musique chamanique coréenne, le jazz. Il a collaboré avec une multitude de musiciens, des poètes, des peintres, des danseurs et des groupes de théâtre. Tout concourt à l’enrichissement de son univers musical et solidifie sa croyance dans la puissance de la musique.
Pour Saitoh, la musique est une question de foi. Comme il l’explique, « la musique n’est pas le résultat final, ni l'expression de soi, mais les questions que l’on dirige vers l’intérieur. La musique est au-delà des individus. »
Ses albums et DVDs récents, nous montrent à quel point sa vision artistique est à la fois diversifiée et exigeante.

Le violoniste Naoki Kita est l’un des plus proches collaborateurs de Tetsu Saitoh. Comme lui, d’un naturel polyvalent, il a exploré de nombreux champs musicaux qui ont enrichi son vocabulaire et l’étendu de son jeu.
De formation classique, il a vécu en Argentine où il a étudié le « nuevo-tango » avec le violoniste de Astor Piazzola.
Bien familiarisé avec l’héritage du jazz, y compris dans ses versant les plus libres, c’est un formidable improvisateur plein de ressources.
Concernant leur duo, on pourrait presque parler d’interaction télépathique. Leurs deux sons ont une unité bien plus grande quand ils sont associés.
Ils étendent et élargissent les idées l’un de l’autre d’une manière si rapide et organique qu’il devient presque impossible de distinguer de quel instrument il s’agit.

découvrir Naoki Kita en vidéo

découvrir Tetsu Saitoh en vidéo

Tisha Mukarji
piano solo

Tisha Mukarji, pianiste, compositrice et improvisatrice propose une approche strictement instrumentale du piano par l’utilisation des techniques de préparation plutôt que par l’utilisation d’objets électroniques, techniques qui lui permettent de développer une musique atonale et concrète. Elle a joué dans des festivals partout dans le monde son solo de piano ainsi que des pièces pour ensembles, et a organisé et participé à de nombreuses conférences sur la pratique de la musique contemporaine.

Ecouter un extrait de la musique de Tisha Mukarji

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Festival SONIC PROTEST

SONIC PROTEST est de retour pour deux magnifiques soirées !!

mercredi 6 avril à 20h00

ELLEN FULLMAN [USA]

Pour la première fois en France, cette légende des musiques minimalistes américaines vient installer son Long String Instrument à Saint-Merry.

Il s'agit d’un set de cordes pouvant mesurer jusqu'à 30 mètres, accordées en intonation juste, qu'elle met en vibration les mains couvertes de gants en colophane, afin de créer des sonorités inouïes et des vibrations puissantes évoquant les bourdons de la musique classique indienne aussi bien que les expérience du Theatre of Eternal Music. C’est tout l’espace environnant qui se met à vibrer !

Découvrir Ellen Fullman en vidéo

WILLIAM BASINSKI [USA]

SOURDURE [FR]

15€ / 17€ | Réserver une place

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jeudi 7 avril à 20h00

AMM [UK]

(John Tilbury / Eddie Prévost / Keith Rowe)

En 2016, AMM célèbre cinquante et une années d’activisme musical radical et reste à ce jour un des groupe les plus influents de la musique expérimentale toutes catégories confondues.

Ecouter le zoom sur AMM fait par Clément Lebrun dans son émission, Le Cri du Patchwork, sur France Musique

JOACHIM MONTESSUIS [FR]

ALUK TODOLO [FR]

Avec le Soutien de La Muse en Circuit

15€ / 17€ | Réserver une place

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Retrouver le détail de chaque soirée ainsi que tous les concerts du festival sur le site de SONIC PROTEST

Ces deux soirées sont organisées avec le soutien de La Muse en Circuit

Le GGRIL

Grand ensemble d’improvisateurs

vendredi 18 mars à 20h30

Le GGRIL est un grand ensemble d’improvisateurs issu d’une petite ville de l’est du Québec et réunissant une instru- mentation bigarrée et électrique: guitares électriques, cordes et percussions à l’avant pour une plongée ludique et crue en territoire libéré.
Le GGRIL est actif depuis 2007 et réunit des musiciens issus de tous les univers. En plus de développer un répertoire personnel, l’ensemble a travaillé avec des musiciens de la trempe de Jean Derome, Xavier Charles (Fr), Evan Parker (Uk) Michael Ficher (Au), et Ingrid Laubrock (Usa).
L’ensemble est curieux et toujours à la recherche de nouvelles expériences musicales. Il a publié deux disques et a été remarqué dans plusieurs festivals et programmations au Canada dont le FIMAV (Victoriaville) et Open Waters (Halifax).

Avec : Olivier D’Amours (guitare électrique), Robert Bastien (guitare électrique), Rémy Bélanger de Beauport (violoncelle), Tom Jacques (percussions), Éric Normand (basse électrique), Alexandre Robichaud (trompette), Catherine Savard Massicotte (violon, voix), Robin Servant (accordéon), Raphaël Arsenault (violon), Marc-Antoine Mcakin-Guy (guitare baryton), Sébastien Corriveau (clarinette basse), Mathieu Gosselin (sax baryton), Gabriel Rochette (trombone), Luke Dawson (contrebasse), Élizabeth Lima (clarinette), Thomas Gaudet-Asselin (guiembri, basse).
La tournée du GGRIL est rendue possible grâce au soutien du Conseil des Arts du Canada, du Conseil des Arts et des Lettres du Québec et de l'Office Franco-Québécois pour la jeunesse.

Plus d'infos : https:// ggril.wordpress.com/
GGRIL - improvisers orchestra Rimouski, Quebec

Blueprint de Joanie Lemercier

exposition dans le cadre de la biennale Némo

du 4 au 11 novembre de 13h à 20h
Vernissage le mercredi 4 novembre 2015 à 18h

Premier exfiltré du collectif historique Antivj, Joanie Lemercier proposera avec Arcadi Île-de-France, à l’église Saint-Merry, sa version de Blueprint, oeuvre vidéo monumentale in situ qui sera présentée en bande et visible en continu. Créée dans une friche industrielle d’Eindhoven (Pays-Bas) pour le festival STRP, cette vidéo spatialisée et mappée retrouvera ses inspirations d’origine, l’architecture d’une cathédrale, et créera une fiction augmentée et constituée en triptyque dans cette église du XIVe siècle du centre parisien. James Ginzburg du groupe Emptyset en fera la musique sacrée ! Le musicien proposera également un live dans le cadre du Festival Transient. Un temps de communion exceptionnel est à prévoir.

Un projet original de Joanie Lemercier & James Ginzburg
Visuels: Joanie Lemercier
Musique: James Ginzburg and Yair Glotman
Production: Juliette Bibasse
La première édition de Blueprint a été commissionnée par STRP biennale d’art numérique de Eindhoven, en 2015

Informations pratiques :
Vernissage le mercredi 4 novembre 2015 à 18h
Exposition du mercredi 4 novembre au  mercredi 11 novembre, de 13h à 20h
Entrée libre

Accèder au site de la Biennale Némo

soundinitiative

'Is it this?'

vendredi 30 octobre à 20h30

Dernier concert avant la pause hivernale !

Avec ce programme soundinitiative cherche à révéler des liens profonds entre la musique contemporaine en France et en Allemagne et à présenter en France des compositeurs allemands qui ne sont pas encore connus ici et vice versa. L’idée n’est pas de confronter des esthétiques connues voire stéréotypées de la musique contemporaine française et allemande, mais de chercher des nouveaux courants des scènes des deux pays, plus précisément l’utilisation des nouveaux médias et de l’électronique dans la musique. Pierre Jodlowski et Michael Beil étant deux compositeurs reconnus, l’idée de ce programme est également de les confronter avec une génération plus jeune, montante, notamment ici Alexander Schubert et Simon Steen-Andersen.

Programme :

James Saunders

Everybody do this

Alexander Schubert
Star Me Kitten

Michael Maierhof
Splitting 16

François Sarhan
Situations

Simon Steen-Andersen

Difficulties putting it into practice

Pierre Jodlowski
Is it this?

soudinitiative est soutenu par la Direction régionale des affaires culturelles d'Île-de-France - Ministère de la Culture et de la Communication

Where is the sun

Dieb 13 - Martin Tétreault - Isabelle Duthoit - Franz Hautzinger

Doxar

Félicie Bazelaire & Laurent Pascal

dimanche 18 octobre à 20h30

"where is the sun"

Dieb 13: platines
Martin Tétreault : platines
Isabelle Duthoit : clarinette & voix
Franz Hautzinger : trompette

Isabelle Duthoit & Franz Hautzinger, Dieb13 & Martin Tétreault , un quartet en double duo, doubles souffles & double platines. 
Enlacés par les deux platinistes  les deux soufflants jouent l’acoustique, déploiements de matières abstraites, de souffles, de sons 
« comme » électroniques, les microphones troublant les matières fabriquées instrumentalement. Enlaçant les deux soufflants, les platines croisent leurs sons concrets, leurs sons « volés » leurs sons inventés.  Les similitudes entres ces étranges et extrêmes matières nous font perdre l’origine du son. Une toile tissée entre abstrait et concret, entre machine et acoustique, entre virtuosité et écoute . La toile se tisse par 4 sources très distinctes et  les hauts parleurs mixent ces sources et en font émerger une et des matières complexes, vivantes, magiques et surprenantes qui viennent bousculer nos corps et nos oreilles dans un transparent plaisir et désir de jouer ensemble. La musique est  tournoyante,  ses sons surgissant là où nous ne les soupçonnons pas pour  prendre  et inventer de nouveaux chemins.

découvrir Isabelle Duthoit et Franz Hautzinger en vidéo

entrevue avec Martin Tétreault

découvrir Dieb 13 en vidéo

DOXAR
Félicie Bazelaire : violoncelle

Laurent Pascal : ukulélé

"samedi 12"

Samedi 12 est un ostinato
un motif de quatre notes
un pivot où s'articule l'espace et le temps
un matériau ponctuel d'où émerge
la résonance et l'environnement
une durée d'environ cinquante minutes
de subtils décalages
une forme générale régulière
comme la respiration
navigation de l'écoute
des nuances vastes
d'intensités et d'attaques
l'écoute écoute, se concentre, s'affine, s'évapore
l'attention se détourne et revient
Samedi 12 est un ostinato

INSUB META ORCHESTRA

musique expérimentale et électroacoustique en grand ensemble

vendredi 16 octobre à 20h30

L’Insub Meta orchestra (IMO) est un grand ensemble réuni autour d'une pratique expérimentale et électroacoustique. Il a été fondé en Suisse en 2010 par le duo Cyril Bondi et d'incise. Il est constitué d'une cinquantaine de membres permanents qui forment la trentaine de musiciens internationaux présent à chaque concert. Né des questionnements sur l'improvisation en large groupe, l'IMO a construit avec le temps un fort bagage collectif et typique ou le geste individuelle se confond dans la production d'états sonores globaux. Des matières subtiles émergent ainsi et dialoguent avec le silence. Les notions d'improvisation ou de compostions se confondent dans une recherche perpétuelle d'un développement spécifique au contexte propre de cet orchestre. Ses axes sont la place du silence, l'écoute poussée et électroacoustique, la gestion de durée, le mimétisme, les bas volumes, les rapports non-hiérarchiques, la circulation des informations.

http://insub.org/orchestra/
https://insub.bandcamp.com/album/insub-meta-orchestra-archive-3

musiciens :
Alexis Degrenier, vielle à roue / Antoine Läng, voix / Béatrice Graf, percussions / Bertrand Gauguet, saxophone / Bruno Crochet, électronique / Christian Müller, clarinette basse / Christian Neff, violon / Christoph Schiller, épinette / Christophe Berthet, saxophones / Coralie Lonfat, électronique / Cyril Bondi, percussions / d'incise, percussions / Daniel Tyrrell, guitare / Eric Ruffing, électronique / Gaudenz Badrutt, électronique / Gérald Zbinden, guitare / Gerald Perrera, contrebasse / Gregor Vidic, saxophone / Heike Fiedler, voix / Ivan Verda, guitare / Jamasp Jhabvala, violon / Luc Müller, percussions / Marie Schwab, violon / Maxime Hänsenberger, percussions / Patricia Bosshard, violon / Raphaël Ortis, basse / Regula Gerber, contrebasse / Rodolphe Loubatière, percussions / Sandra Weiss, basson / Sébastien Branche, saxophone / Simon Bolay, guitare / Steve Buchanan, saxophone / Vinz Vonlanthen, guitare / Wanda Obertova, voix / Yann Leguay, électronique

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Festival Crak #4

Mercredi 23 septembre - 20h30

.Tony Di NAPOLI - Lithophone (solo)

.Robin FOX - « laser show »

Soirée organisée en partenariat avec la Muse en Circuit

Vendredi 25 septembre - 20h30

.Arnaud RIVIÈRE + Mario de VEGA - duo électroacoustique

.UMLYWOOD BIG BAND « Jazz symphonique à danser »

Umlaut Big Band + cordes, percussions et chanteurs)

Samedi 26 septembre - 20h30

.JOHN BUTCHER - saxophone (solo)

.Eliane RADIGUE - « OCCAM OCÉAN »

Création par l'ONCEIM de la première pièce pour orchestre d'Eliane Radigue

Soirée organisée en partenariat avec la Muse en Circuit

Avant, entre et après les concerts, ambiance musicale par UNGLEE—IZI

Ouverture des portes à 20h

Découvrez chaque soirée en détail sur le site du festival

Retrouvez crak sur Facebook

Tarifs : soirée (15€ / 10€) // pass festival (35€ / 25€)
Réservations : cliquez ici pour accèder aux réservations

Concert portes ouvertes de l'atelier d'improvisation

mardi 30 juin à 20h00

Depuis quelques années, tous les mardis soirs, se tient à Saint-Merry un atelier d'improvisation, d'expérimentation et de création musicale.

Ce mardi 30 juin les musiciens qui participent à cet atelier vous invitent à un concert portes ouvertes dans une atmosphère conviviale !

20h-21h30 : diverses improvisations en petites formations

(avec notamment : Dominique Wisniewski (guitare), Paula Velez (saxophone), Dominique Sprenger (violoncelle), Nicolas Reyre (voix), Bruno Kerhoas (theremin), Claudine Katz (voix), Catherine Morvan (voix), Jean-Sébastien Mariage (guitare), Béatrice Madiot (voix), Steve Jones (électronique), Bertrand Denzler (saxophone), Paul Collins (électronique), Elif Bleda (piano), Frédéric Blondy (piano), Delphine Bernard (flute),...)

21h30 : rencontre autour d'un verre

Eglise saint-Merry - Salle Blanche de l'église Saint-Merry

Entrée libre

LUFT

Mats Gustafsson - Erwan Keravec

SROSH ENSEMBLE

création sonore

dimanche 28 juin à 20h30

Réserver des places pour ce spectacle

LUFT

Mats GUSTAFSSON, saxophone

Erwan KERAVEC, cornemuse

Nouvelle tradition de cornemuse VS saxophone free-jazz / noise.

Points de vue inhabituels sur une musique contemporaine par la réunion de techniques de saxophone suédo-autrichien muté par le jazz américain et européen répondant à un instrument écossais devenu hybride par la musique contemporaine française.

Clusters microtonaux, bruit pneumatique, frénésie circulante, oscillante, résultant en une nouvelle énergie poétique !

Air comprimé par projecteurs cylindriques et coniques.
Air de la Délivrance, Air liquéfié, Air fragmenté, Air concentré

LUFT Déménagement

Donner à l’Air une nouvelle perspective

site du duo : http://www.erwan-keravec.eu/activite/luft

SROSH ENSEMBLE
Le Srosh Ensemble est une communauté de musiciens et artistes réunis autour des domaines de l'art sonore, du field recording, de l'acousmatique, des manipulations électroniques et de l'indéterminisme.

Srosh développe des sculptures sonores, des instruments non conventionnels, et des interventions sonores spécifiques sur un site.

La pièce jouée, intitulée Peripatetic, est basé sur le concept d'une mutation constante des contenus musicaux selon le contextes où elle est présentée. Chaque espace spécifique, le temps et les gens impliqués vont introduire de nouvelles variantes.

Srosh est constitué d'un large éventail de musiciens de la scène musicale expérimentale de Porto. Pour ce projet spécifique nous accueillerons Gustavo Costa, Henrique Fernandes, Rodrigo Cardoso, João Ricardo et Alberto Lopes.

Plus d'informations sur le Srosh Ensemble et Sonoscopia ici:
Srosh Ensemble: http://sonoscopia.pt/en/projects/srosh-ensemble
Sonoscopia: www.sonoscopia.pt

ONCEIM

joue Gruidés de Stephen O'Malley

Duo e-SaxBow

création électro-acoustique

Hubbub

musique improvisée

dimanche 14 juin à 20h

Dans le cadre de Focus de l'Institut Français, en partenariat avec la Muse en Circuit et Futurs Composés

l'ONCEIM joue Gruidé de Stephen O'Malley
Acteur majeur de la scène drone doom, death doom et expérimentale, Stephen O’Malley (né en 1974 dans le New Hampshire et résidant actuellement à Paris) est le fondateur de Sunn O))), membre de KTL avec Peter Rehberg et ancien membre de Khanate. Ses performances sont souvent décrites comme des moments de soulèvement, où la narration extrêmement lente pendant laquelle les volumes élevés déclenchent l’écoute du corps tout entier.

Il s'est lancé en 2014 à l'occasion du festival CRAK dans une aventure musicale inédite: écrire pour la trentaine d’improvisateurs de l’ONCEIM, inventeurs d’un nouveau mode de jeu collectif en grand ensemble dans une approche plastique du sonore où chaque musicien a un rôle créatif majeur, la musique se construisant sur sa virtuosité singulière et le vocabulaire musical qu’il a élaboré. 

e-SaxBow

Florent Colautti : e-String
François Wong : saxophone électrifié
Des archets électroniques pilotés via un ordinateur ;
le son d’un saxophone transformé par des modulateurs d’ondes…
Le duo e-SaxBow propose un choc frontal entre les musiques acoustique et électronique, le bruit et la mélodie, une création de matière vibrante et vivante.
Dans une recherche plastique et expérimentale, Florent Colautti et François Wong construisent un matériel sonore inédit fait de nappes ondulatoires, de masses organiques, de pluies synthétiques, de sons abstraits et de cloches cosmiques.
Florent utilise un instrument à cordes « maison », le e-String, hybride électronique/acoustique. Il pilote des archets électroniques qui excitent les cordes depuis un ordinateur, les vibrations récupérées, il en transforme le son…
François reprend le son d’un saxophone à l’aide d’une cellule/micro placée dans le bec. L’onde est amplifié puis transformée par une chaîne de pédales analogiques/numériques et diffusée par un amplificateur à lampes.

Hubbub
Frédéric Blondy (piano), Bertrand Denzler (saxophone ténor), Jean-Luc Guionnet (saxophone alto), Jean-Sébastien Mariage (guitare éléctrique) et Edward Perraud (batterie)

« Hubbub s'applique à se construire une identité propre où chacun doit, en privilégiant l'unité du groupe, trouver sa place dans un kaléidoscope bruissant et tendu de microsons et de micromouvements. Chacun de leurs concerts est un événement. » - Gérard Rouy, Jazz Magazine

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L'ONCEIM est soutenu par la Direction régionale des affaires culturelles d'Île-de-France - Ministère de la Culture et de la Communication

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Festival "SINGAPOUR MON AMOUR"

Projections et performances

vendredi 5 juin de 19h30 à 22h00

Bani Haykal, 60'

Urich Lau, Life Circuit, 2009-2015, 60'

dimanche 7 juin de 19h30 à 22h00

Ezzam Rahman (performance), Pascal Battus (sound), You are what I don't want to be, 2015, 60'

Ho Tzu Nyen (video), Frédéric D. Oberland, Saaad, Mondkopf, Christine Ott (sound), EARTH, 2009-2015, 42'

Au-delà de la puissance flamboyante de Singapour, des artistes de cet état-cité explorent les conséquences sur la vie de ses habitants de cette parure, en apparence, majestueuse qui en cinquante ans a radicalement métamorphosé leur ville et leur culture. Pour faire découvrir leur regard, leur questionnement Singapour mon amour est conçu comme un parcours artistique dans Paris où le public français est invité, à chaque étape, à s’approprier une facette de la culture contemporaine de Singapour.

Singapour mon amour est une invitation à explorer l’univers de la jeune scène singapourienne sous la forme d’un parcours artistique dans Paris. Le visiteur pourra s’imprégner pleinement, à son rythme, des diverses démarches présentées : des performances à l’Eglise St Merry, une exposition d’art visuel accompagnée de lectures de poèmes au Point Ephémère, des projections de films d’avant-garde à la Cinémathèque Française, des colloques scientifiques au Centre Pompidou et au Musée du Quai Branly.

Chaque événement a été pensé par Silke Schmickl, commissaire générale de Singapour mon amour, pour exister par lui-même tout en entrant en dialogue avec les autres. Les liens subtils qui existent entre les différentes préoccupations, pratiques et disciplines exposées sont mis en perspective de telle sorte à former un portrait polyphonique et inattendu de Singapour.

L’autre originalité de Singapour mon amour est d’être conçu à partir d’un dialogue entre les artistes, historiens de l’art, intellectuels singapouriens et leurs homologues français. En croisant les perspectives et en dépassant le contexte local, les participants invités réfléchiront à la capacité des artistes à se saisir des phénomènes urbains, sociaux et politiques. Dans ce jeune pays où l’histoire de l’art est à peine en train d’être écrite Singapour mon amour souhaite contribuer à présenter et à collecter le plus de sources, de témoignages et de réflexions possibles.

Manifestation organisée dans le cadre de Singapour en France – le Festival (26 mars – 30 juin 2015)

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Présentation vidéo du festival

soirée organisée en partenariat avec lowave

Ensemble Hodos

joue Jean-Luc Guionnet et Bertrand Denzler

Fenêtre Ovale

nouvelles créations

vendredi 22 mai à 20h30

//L'ENSEMBLE HODOS//
Fondé en 2008 par Pierre-Antoine Badaroux et Sébastien Beliah, l'Ensemble Hodos joue la musique de compositeurs qui donnent à chaque musicien une part de responsabilité et de liberté. Oeuvres ouvertes, musiques graphiques, pièces indéterminées ou faisant appel à l'aléatoire ou à l'improvisation sont au coeur du répertoire de l'ensemble. Leur démarche s'axe autour de trois idées : un travail collectif d'appropriation des compositions, des collaborations directes avec les compositeurs et la rencontre de musiciens provenant de milieux différents. Pour terminer cette saison 2014-15 de créations, l'ensemble Hodos réunit deux compositeurs, partenaires de longues dates dans la pratique de l'improvisation : Jean-Luc Guionnet et Bertrand Denzler.

PROGRAMME :

.Jucked organs de Jean-Luc Guionnet
.Rouages de Bertrand Denzler

JUCKED ORGANS
Rien n’est drôle, rien n’est triste non plus, et surtout : rien n’est ludique, dans cette composition. Elle a à voir avec une informatique intérieure, une informatique de soi-même. Si l’interprétation peut prendre parfois la forme d’un test, c’est que cette forme est la forme de la musique elle-même : les erreurs, dans le cadre du test, ne le sont plus dans celui de la musique comme résultat sonore du processus — il n’y aura pas eu d’erreur sur le plan de la musique. Les auditeurs sont à l’écoute de subjectivités au travail. Exactement : ils sont à l’écoute de la signature sonore d’une confrontation à elles-même de ces subjectivités, au travers de nombres, d’espace, de temps, de secrets, de problèmes instrumentaux et d’une honnêteté (pragmatique) de soi à soi à définir.

ROUAGES
« Supposons que nous ayons en face de nous une machine quelconque ; le rouage initial et le rouage final sont seuls apparents, mais les transmissions, les rouages intermédiaires par lesquels le mouvement se communique de l’un à l’autre sont cachés à l’intérieur et échappent à notre vue ; nous ignorons si la communication se fait par des engrenages ou par des courroies, par des bielles ou par d’autres dispositifs. Dirons-nous qu’il nous est impossible de rien comprendre à cette machine tant qu’on ne nous permettra pas de la démonter ? » – Henri Poincaré

Ensemble Hodos :

Pierre-Antoine Badaroux : saxophone alto
Félicie Bazelaire : violoncelle
Sébastien Beliah : contrebasse & électronique
Benjamin Dousteyssier : saxophone alto & baryton
Fidel Fourneyron : trombone
Antonin Gerbal : batterie
Brice Pichard : trompette
Joris Rühl : clarinette

Direction Artistique : Pierre-Antoine Badaroux & Sébastien Beliah

Avec le soutien de la Direction régionale des affaires culturelles d'Île-de-France - Ministère de la Culture et de la Communication

//FENÊTRE OVALE//

La fenêtre ovale est une membrane qui, d’un point de vue anatomique, constitue la limite entre l’oreille moyenne et l’oreille interne. Nous y voyons le symbole de la transition entre l’acoustique et le psycho-acoustique, entre la nature physique de l’onde sonore et sa perception subjective. Frontière entre la mécanique et l’imaginaire. Car il faut être deux pour fabriquer un son : le musicien qui le produit dans un geste artisanal et l’auditeur qui en soigne la finition avec ses rêves et ses images.

Le projet fenêtre ovale est né de l’envie des musiciens qui le constituent de créer un dialogue singulier entre improvisation et composition, en ménageant un temps important de recherche sonore collective, préambule à la réalisation d’un ensemble de pièces. La matière même des compositions de Karl Naëgelen porte donc la marque des recherches propres à chacun des musiciens, elle est nourrie des territoires sonores nés de leurs pratiques à la fois individuelles et collectives.
Le nouveau corpus de fenêtre ovale est constitué de petites formes extrêmement contrastées, où l’univers le plus mécanique, voire trivial, côtoie le son le plus épuré, ou des chorals se mêlent à d’étranges moteurs sonores faits de craquements et de souffles. En quête d’un son plein, granuleux, composite, les musiciens jouent à créer la confusion des sources et se jouent des seuils ; les craquements deviennent des tenues, les souffles des crépitements, les rythmes des hauteurs... Au fond fenêtre ovale est peut-être le résultat d’une utopie musicale qui consiste à vouloir capter – et fixer minutieusement – ce qui ne fait « que passer » – les fêlures, les respirations, les tremblements, les seuils.

Joris Rühl : clarinette
Amaryllis Billet : violon
Eve Risser : piano
Toma Gouband : percussion
Karl Naegelen : composition

Découvrez Fenêtre Ovale en vidéo

UMLAUT FESTIVAL 2015

jeudi 7 mai à 20h30

Le collectif européen Umlaut défend les musiques de création depuis plus de dix ans, à travers son activité de label et d’organisation de festivals. Pour sa cinquième édition parisienne, Umlaut espère une nouvelle fois exciter votre curiosité, vos organes auditifs et votre imagination. Pas de concept de programmateur au menu, on mangera ici à tous les râteliers : solos, choeur d’enfant, acoustique, électrique, création d’une pièce écrite pour l’occasion, improvisation, Chopin, vin nature, saucisse sèche – il n’y a aucun intrus !

Classe de St Ouen et les musiciens d’Umlaut

Une épopée du vent, Karl Naëgelen.
C’est avant tout un désir sonore qui est à l’origine « d’une épopée du vent » : donner à entendre des qualités musicales autour de l’air, du vent, les plus variées possibles ; des sons vocaux, instrumentaux, tous reliés à ce thème éolien, moteur d’une petite « épopée sonore ». Cette pièce est née d’un travail d’exploration menée avec des classes de primaire, et c’est une nouvelle version qui en sera donnée pour cette soirée par les classes de CM1 de l’école Jules Michelet de Saint-Ouen (musicienne intervenante : Isabelle Morin) et deux musiciens d’Umlaut (J. Rühl, clarinette ; P-A Badaroux, saxophone).
 

Pierre-Yves Martel

Le gambiste Pierre-Yves Martel a récemment publié le disque Continuum sur le label “tour de bras”.
Figure montréalaise des musiques improvisées qu’on a le plaisir d’entendre depuis longtemps bien au-delà des frontières du Québec, il y propose une musique limpide, dépouillée d’artifices, aérienne, suspendue, concentrée. C’est ce projet qu’il vient présenter ce soir dans l’espace et l’acoustique si appropriés de l’église Saint-Merry.
www.pymartel.com

Emmanuelle Bouillot joue Boris Clouteau

Préludes de Chopin, oeuvres de Boris Clouteau.
La pianiste Emmanuelle Bouillot propose un programme tressé mêlant oeuvres du répertoire romantique –de Chopin essentiellement- à des oeuvres de Boris Clouteau. Les compositions de B. Clouteau constituent autant de rêveries construites autour des préludes du compositeur polonais, à partir d’éléments épars : un simple geste de la main gauche qui vient se figer, une harmonie, une résonance prolongée, que le jeu à la fois intense et subtil d’Emmanuel Bouillot vient révéler… Le
programme comportera également 2 nouvelles oeuvres de B. Clouteau créées spécialement pour le festival.
www.emmanuelle-bouillot.com

Ouverture des portes à 20H - tarif unique 12€

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SUPERNOVA

W. VOLTAS / AMN / EDITH PROGUE / GAEL SEGALEN

Les Rendez-Vous Contemporains accueillent SUPERNOVA pour leur soirée SATELLITE III

vendredi 24 avril à 19h30

//// VOLTAS (LIVE)
(Vadim Svoboda + Jow + Mathhis Meyer)
Groupe d'improvisation électro-acoustique parisien, les Voltas se jouent de la musique électronique le temps d'une rencontre entre instruments et séquenceurs.
Voltas a vu le jour dans des clubs Undergound et des sous sols de restaurant. Les Voltas sont souvent accompagnés par des instruments acoustiques. Pianistes, violonistes, saxophonistes...les rejoignent le temps d'un jam comme Stéphane Bissières. Leurs influences se trouvent dans le jazz, le rock, la techno.
FB : https://www.facebook.com/ thevoltas?fref=ts

//// AMN (LIVE)
AMN [Cédric Pigot] est artiste et compositeur de musique électronique. Depuis 20 ans, il travaille à l'interprétation très personnelle d'une ambient music qui flirte avec des esthétiques bruitistes. Il performe dans le champ d'une musique emo-physical. Ses sources électroniques, fréquences, vibrations, bruits, et rythmiques minimales sont mixés durant ses lives et sont soumis aux lois aléatoires de ses effets lo-tech, créant disruptions, sensibilité et profondeurs au bout des doigts, le corps pris dans le processus sonore.
SITE : http:// www.daniauxpigot.com/
BNDCMP : http:// cedricpigot.bandcamp.com/

//// EDITH PROGUE (LIVE)
Digital music composer - Lives in Paris
Bernard Swell aka b.w-s has produced albums and written hit songs for Veronique Sanson. Two electro-pop albums ("izdatso?" & "I Know Nothing") composed & produced under the stage name of Izdatso along with videos were then released on Nettwerk/EMI America. Izdatso's tracks have been featured on Levi's and LG advertisement campaigns and on the CSI Miami TV series.
In 2008, Bernard Swell composed, performed & produced Timeline, an electro-minimalist album under the stage name of Edith Progue, released on the legendary Mille Plateaux label, best Album at Qwartz Electronic Music Awards 4.
Film Soundtracks: "Rose c'est Paris" (2011) by Bettina Rheims, "Calvet" (2012) by Dominic Allan, "Jump" (2013) by Kieron J. Walsh, "The Long Walk" (2013) by Brendan J. Byrne.
SITE : http:// www.edithprogue.com/
FB : http://oua.be/1unf
SNDCLD : https://soundcloud.com/ edithprogue

//// GAEL SEGALEN (LIVE)
Des sciences humaines à la radio, au cinéma, au field recording, à la pédagogie, à l’art/l’interaction sonore, à la composition musicale, depuis 20 ans Gaël Segalen synthétise expériences éclectiques et voyages. Avec le micro, offrant un espace vital, elle canalise la rencontre avec l’autre dans des temps privilégiés, improvisés, suspendus comme des moments d’éternité. Elle croit que tous les sons qu’elle a collectés dans le monde peuvent coexister dans de nouveaux arrangements, cherchant à transposer la complexité de la vie en un esprit ouvert et sonore. Ses compositions électroniques de forme libre évoluent entre la voix, le dialogue et l’expérimentation polyrythmique et hypnotique, soit une pratique qu'elle définit de Danceable Field Recording.
Collaboratrice régulière des projets d'art sonore du Collectif Mu depuis 2005, elle cosigne l'oeuvre "Vertigo" avec Joachim Montessuis, et partage depuis 2012 un duo avec Afrikan Sciences sous le nom "Les Graciés".
SITE : http://ihearu.org/
FB : https://www.facebook.com/ GaelSegalen?fref=ts
SNDCLD : https://soundcloud.com/ ihearu
BNDCMP : https:// ihearu.bandcamp.com/

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ONCEIM

composition n°19 de Pierre-Antoine BADAROUX
création collective

vendredi 17 avril à 20h30

PROGRAMME :

.composition n°19 de Pierre-Antoine BADAROUX (~30min)

.création collective (~30min)

Composition n°19
Le poncif de l'orchestre comme un (grand/gros) instrument. Un seul instrument qui serait – comme un orgue – constitué de plusieurs petits émetteurs et par extension, l'image du compositeur jouant de l'orchestre comme d'un instrument.
La Composition No.19 prend ce lieu commun au pied de la lettre en organisant une empreinte de ce gros instrument. C'est à dire ce que fait chaque musicien lorsqu'il prend possession d'un nouvel instrument : une grande gamme qui en parcourt la tessiture pour en apprécier (entre autres choses) la régularité ou l'irrégularité, les changements de timbre dus à une facture forcément imparfaite, les “bosses” et les “creux”, les différentes qualités de projection et de résonance.

ONCEIM avec Pierre-Antoine Badaroux (saxophone alto), Félicie Bazelaire (violoncelle), Sébastien Beliah (contrebasse), Patricia Bosshard (violon), Cyprien Busolini (alto), Massimo Carrozzo (clarinettes), Giani Caserotto (guitare), Xavier Charles (clarinette), Pierre Cussac (accordéon), Jean Daufresne (euphonium), Bertrand Denzler (saxophone ténor), Vianney Desplantes (euphonium), Benjamin Dousteyssier (saxophone baryton), Jean Dousteyssier (clarinette), Benjamin Duboc (contrebasse), Yoann Durant (saxophone alto), Rémi Durupt (percussion), Elodie Gaudet (alto), Antonin Gerbal (batterie), Antonin-Tri Hoang (clarinette), Louis Laurain (trompette), Carmen Lefrançois (saxophone baryton), Julien Loutelier (batterie), Jean-Sébastien Mariage (guitare), Frédéric Marty (contrebasse), Arnaud Rivière (électronique), Joris Rühl (clarinette), Diemo Schwarz (électronique), Alvise Sinivia (piano), Deborah Walker (violoncelle).

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Avec le soutien de la Direction régionale des affaires culturelles d'Île-de-France - Ministère de la Culture et de la Communication

Festival SONIC PROTEST

Les Rendez-Vous Contemporains accueillent à nouveau SONIC PROTEST pour deux soirées exceptionnelles !!

mercredi 8 avril à 20h00

Charlemagne PALESTINE & MONDKOPF

Thomas BONVALET & Jean-Luc GUIONNET

Phil MINTON'S FERAL CHOIR

14€ / 17€ | Réserver une place

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jeudi 9 avril à 20h00

The NECKS

Richard DAWSON

MOTUS

14€ / 17€ | Réserver une place

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Retrouver le détail de chaque soirée ainsi que tous les concerts du festival sur le site de SONIC PROTEST

Tony Di NAPOLI

Lithophones

Stéphane RIVES / Pascal BATTUS

duo saxophone - pick-up de guitare

vendredi 27 mars à 20h30

Tony Di NAPOLI est sculpteur et musicien, de 1989 à 1991, il est inscrit à l'atelier de sculpture à l'école supérieure des Arts St Luc à Liège en Belgique.
De 1992 à 1994, il complète sa formation à Pietrassanta en Italie et à Patan au Népal.
Il est attiré assez rapidement par la pierre, cet élément solide, durable, mais aussi à l'élément végétal, éphémère. Ses premières installations visuelles et sonores vont mettre en oeuvre des matériaux fragiles, issus de la nature. Il s'intéresse plus particulièrement au processus de travail, au temps passé à réaliser ses œuvres, plusieurs mois pour certaines, pour ensuite se décomposer, disparaître à la fin de l'exposition.
La pierre va le conduire à s'intéresser au son. Dés 1994, il conçoit et réalise ses premières sculptures sonores et instruments de musique en pierre.
Le son, perçu comme nouveau matériau à la sculpture, éphémère mais venant de ce matériau pérenne va lui ouvrir de nouveaux champs d'expérimentation.
En 2000, il obtient, une bourse de recherche de la Fondation de la Tapisserie de Tournai. (B) .
En 2002, il obtient une bourse de recherche de la Fondation SPES , il voyage au Viêt-Nam durant 7 mois pour étudier les lithophones vietnamiens, un projet qui est soutenu par le Professeur Tran Van Khê.
Depuis 2010,il travaille dans divers projets de l'association Résonance contemporaine et depuis 2013 est membre du collectif Ishtar.
Il se produit régulièrement en concert, en solo ou avec d'autres musiciens : Paul Demeyer , Le Quan Ninh, Benoit Cancoin, Dominicka Eickmans, …

Site internet : www.dinapolitony.com

Stéphane RIVES est musicien et ingénieur du son. Après de longues études de musique classique à l’Ecole Normale de Musique de Paris, il s’est consacré au saxophone et aux pratiques expérimentales. Il joue également avec un dispositif électronique basé sur la diffusion de ses enregistrements discographiques, de prises de sons environnementales et de feedback. Il est également compositeur et performeur pour la danse. En tant qu’ingénieur du son il a travaillé à l’INA comme restaurateur des archives sonores et plus largement comme preneur de son pour le cinéma ou le documentaire. Ces dix dernières années, il a résidé principalement au Liban, participant à la scène artistique expérimentale régionale en tant que musicien et technicien, avant son retour à Paris en 2013.

La mécanique du saxophone permet une approche acoustique concrète de l'instrument ; les possibilités d'actions sur les tampons, et la flexibilité de l'anche offrent un moyen subtil d'altération de l'onde sonore générée par le souffle. En se plaçant dans cette pensée de filtrage, tirée de la musique électronique, l'attention se porte sur les micros événements infimes guère audibles dans une approche traditionnelle. La distorsion acoustique surgit, et dans cet ‘’intérieur du son acoustique’’ se révèlent les subtilités des grains et des textures. Un flux d'air traversant un cône métallique, une action discrète sur quelques paramètres ; le jeu n'est pas un aboutissement mais un instant qui répond à cette logique. La réflexion musicale se concentre sur la question de la pratique. C’est d’abord une expérience du son comme moyen d'"exciter" l'auditeur, une manière d'interroger, de bousculer le sentiment de sécurité d’un goût esthétique.

Pascal BATTUS
Artiste sonore, improvisateur, compositeur, Pascal Battus développe une pratique du son plus attentive au geste sonore, à l’écoute et à la situation qui les détermine qu’à un instrument défini :
le pick-up de guitare(micro de guitare sans guitare),les surfaces rotatives, la guitare "environnée" (guitare électrique sur table + micro contact + objets divers + électronique), la percussion (objets amplifiés ou non) … Son travail est régulièrement diffusé sur les ondes internationales(France Musique,Radio Libertaire, Resonance FM…)
Il à joué en Europe, Etats Unis d’Amerique, Canada, Asie, Moyen-Orient, Australie… en solo ou plus fréquemment avec d’autres musiciens. il travaille régulièrement avec des danseurs, des performeurs plasticiens (video, lumière, sculpture…). Il réalise des dessins et co-invente les Massages Sonores.
Ses disques sont édités chez Potlatch, Corpus Hermeticum,
Amor Fati, Another Timbre, Cathnor, Organized Music From Thessaloniki, Herbal International…

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SOUNDINITIATIVE

'Is it this?'

vendredi 20mars à 20h30

Le son acoustique pur, frontal, du quatuor “Aus” de Christophe Bertrand résonne depuis la scène.
Progressivement les sons sont transformés par des pédales d'effets dans les pièces “ Its Fleece Electrostatic” de Mauricio Pauly et du groupe de création “_01” qui, en quittant l'espace de la scène, ouvre la perception. Alors que les musiciens s'éloignent, des images sont projetées sur un écran géant, une vision abstraite du monde sonore créé par les musiciens.
C'est une prolongation des sons de soundinitiative qui amène le spectateur à se lever et déambuler à l'intérieur de l'exposition sonore de l’artiste installateur :such:.
Après ce moment de respiration dans un autre espace constitué d'enceintes et de bandes magnétiques, les musiciens, maintenant placés tout autour du public, reprennent les sons provenant de l’installation et poursuivent avec l’oeuvre “Graveled Crumbled Strewn” de la compositrice Katherine Young. À nouveau, l'auditeur rentre dans un univers où le visuel et le sonore s'interrogent puisqu'ici les musiciens construisent une improvisation basée sur une vidéo projetée sur un grand écran suspendu.
La fin, moment du climax, verra le retour du quatuor sur l’espace de la scène, “Coliseum” de Pierre Jodlowski, qui enveloppe le spectateur de sons électro-acoustiques diffusés sur 8 enceintes.
Parcours à travers la musique écrite, semi-improvisée et assistée par ordinateur, "Interférences" invite le spectateur à mettre en résonance sa propre sensibilité avec celle de l'espace/son du lieu dans lequel il se trouve.

Programme :

Aus, Christophe Bertrand
saxophone, clarinette basse, alto & piano

Its fleece electrostatic, Mauricio Pauly
violon & électronique

_01
3 interprètes, vidéo & électronique

:such:
installation

Gravelled Crumpled Strewn, Katherine Young
6 musiciens, vidéo & électronique

Coliseum, Pierre Jodlowski
saxophone, flute, piano & percussion & électronique

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Primate Arena

concert

dimanche 9 novembre à 20h00

Une soirée en collaboration avec Souffle Collectif

• Bobby Moo (Arnaud Rivière, Alexandre Bellenger, Miho)
• Eran Sachs (Primate Arena, Cadaver Eyes)
• Jan Visocky
• Yoni Silver (Hyperion International)
• Andrei Kivu (Hyperion International)
• Roro Perrot (Decimation Sociale, Vomir)
• Joachim Montessus (www.erratum.org)

• Haggai Fershtman (Monotonix, Hyperion International)
• Kolkhose en soie (Memebers of Cheveu, Crack Und Ultra Eczema)
• Alex Drool (Primate Arena, Hyperion International)

"Always elusive and ever changing, the nomadic platform PRIMATE ARENA has for the past 6 years been conducting happenings and events which are dedicated to sonic delves into primatic non-sense coupled with attempts at unexpected, unfamiliar or weird forms of transcendence. 
After having performed in London, Athens, Bucharest, Tel-Aviv and Brighton, PRIMATE ARENA will make its first ever event in Paris on November 9.
Taking sound as a starting point but allowing oneself the freedom to go beyond sound, through humor, performance, text, to be serious but not heavyheaded, to accept tension, stupidy and commitment - at times wild and shamanistic, at times rigorous and disciplined - and hopefully arrive somewhere meaningful (psychological, emotional, spiritual, transcendent)."

Horns / Anthony Pateras

Créations musicales - piano solo et quartuor à vent

vendredi 31 octobre à 20h30

Horns

Pierre-Antoine Badaroux - saxophone alto
Bertrand Denzler - saxophone ténor
Fidel Fourneyron - trombone
Louis Laurain - trompette

HORNS joue HORNS, une pièce évolutive dont les différentes versions déclinent un pseudo-drone acoustique évoquant un accord en perpétuelle mutation. Peuplé de battements et de frottements incidents, le son est structuré asymétriquement par des réseaux de stratégies croisées.

HORNS 1.1 a été jouée pour la première fois en concert à Paris dans le cadre des Umlaut Series en novembre 2013. Depuis, HORNS a travaillé sur différentes versions de HORNS 1.1 et 1.2.

Anthony Pateras

Piano solo

Originaire de Merlbourne (Australie), Anthony Pateras est un compositeur, pianiste et musicien électroacoustique. En tant que compositeur, il a écrit plus de 50 pièces qui combinent notation, improvisation et électronique pour diverses ensembles d'instruments. En tant que pianiste et musicien électroacoustique, Il a joué dans le monde entier dans de nombreux groupes et projets dont Pateras / Baxter / Brown, thymolphtaléine, PIVIXKI, Twitch Ensemble, Beta Erko et tētēma avec Mike Patton.

Il a publié plus de 20 albums sur les labels Tzadik, Ipecac, Editions Mego et Immediata imprint. Vivant actuellement à Berlin, Pateras travaille régulièrement avec les musiciens Erkki Veltheim, Anthony Burr, Natasha Anderson et Jérôme Noetinger. Il travaille actuellement sur la musique du film The Man Who Disappeared de Sylvère Lotringer.

Ensemble soundinitiative

'Street Souvenir'

vendredi 24 octobre à 20h30

Un concert d'après Darmstadt : soundinitiative présentera une sélection de pièces montées et de collaborations entamées en Allemagne lors du festival de Darmstadt

Programme :
.D'après, Clara Iannotta
pour flûte, clarinette, piano, percussion, violon, alto, et violoncelle

.Berceuse des Quatre chants pour franchir le seuil, Gérard Grisey

(transcription de Brice Pauset) pour mezzo-soprano et ensemble

création française

.Regnum Animale, Mauro Lanza et Andrea Valle
pour trio à cordes et objets électromécaniques
création française

.Street-Souvenir, Joanna Bailie
pour flûte, clarinette, piano, violon, alto, violoncelle et contrebasse
nouvelle version, création française

.Vesperbild, Mauro Lanza
pour grand ensemble, instruments-jouets et électronique.

Ensemble soundinitaitive
musiciens invités : Géraldine Thébault (fl), Kevin Austin (tb), Jean Wagner (cor), Noam Bierstone (perc)

direction : Leonhard Garms.

Concert organisé avec le soutien de la Muse en Circuit et Césaré, centres nationaux de création musicale.
Concert enregistré par France Musique, diffusion le 17 novembre 2014.

Ensemble Hodos

Luiz Henrique Yudo

vendredi 17 octobre à 20h30

Fondé en 2008 par Pierre-Antoine Badaroux et Sébastien Beliah, l'Ensemble Hodos joue la musique de compositeurs qui donnent à chaque musicien une part de responsabilité et de liberté. Œuvres ouvertes, musiques graphiques, pièces indéterminées ou faisant appel à l'aléatoire ou à l'improvisation sont au cœur du répertoire de l'ensemble. Leur démarche s'axe autour de trois idées : un travail collectif d'appropriation des compositions, des collaborations directes avec les compositeurs et la rencontre de musiciens provenant de milieux différents.
L'ensemble Hodos inaugure pour sa saison 2014-15 une série de créations en partenariat avec des compositeurs venus d'univers géographiques et musicaux éclectiques. Ce cycle débute à l'église Saint-Merry en compagnie du compositeur brésilien d'origine japonaise vivant à Amsterdam Luiz-Henrique Yudo.

Programme :
.ON WORDS: O (2001) (Luiz Henrique Yudo)

.QUARTET FOR FRANÇOIS MORELLET (Luiz Henrique Yudo)
.DODECAPHONY (Luiz Henrique Yudo - création dédiée à l'ensemble Hodos)

Ensemble Hodos :
Pierre-Antoine Badaroux (saxophone alto)
Félicie Bazelaire (violoncelle)
Sébastien Beliah (contrebasse)
Patricia Bosshard (violon)
Jean Dousteyssier (clarinette)
Élodie Gaudet (alto)
Fidel Fourneyron (trombone)
Louis Laurain (trompette)
Anaïs Moreau (violon)
Brice Pichard (trompette)
Julia Robert (viole d'amour)
Joris Rühl (clarinette)

L'ensemble Hodos porté par l'association Umlaut est soutenu par la DRAC ïle de France.

Festival des Cinémas Différents et Expérimentaux Hors les Murs

Magic MALIK & Joana PREISS : Interventions sur deux films inédits de Pierre CLÉMENTI

mardi 14 octobre à 20h30

Le chant rauque de l’incantatrice Joana Preiss et les envoûtements sonores du virtuose et jazzman Magic Malik accompagneront la projection en 16mm de deux journaux filmés de Pierre Clémenti : Positano, Souvenirs souvenirs, deux films composés de rushs fulgurants des années 70, accumulés sur une période de plus de 15 ans ; foisonnement de couleurs, d’érotisme poétique et de références aux expériences psychotropes ; une ode poignante à la vie-cinéma. Une rencontre inédite entre trois arpenteurs de la liberté.

« Il y a en moi la volonté de ne pas me galvauder dans des films qui ne méritent pas d’être faits. J’ai découvert qu’on pouvait réaliser des images en toute simplicité, sans être passé par une école. Le cinéma underground a osé. Avec lui, on adaptait son art à ses moyens. J’ai toujours travaillé seul et je n’ai ruiné que moi-même. Si j’entrais dans une industrie, même très honnête, je serai obligé de faire des choses qui ne me plaisent pas. Il y aurait en moi quelque chose de mort.» Pierre Clémenti

C’est en 1967, avec son cachet d’acteur pour le film Benjamin ou les mémoires d’un puceau de Michel Deville que Pierre Clémenti a pu acheter sa première caméra Beaulieu 16 mm. Pendant plus de 15 ans, il filme au fil des jours et des rencontres une série de journaux intimes restés inédits jusqu’à ce jour. Famille, tournages, mise en scène d'un instant, errances de la nuit, fulgurance de l'amour, liberté des corps : tout ce qui l’entoure est saisi dans un même appétit de vivre le cinéma comme conscience d’être au monde. Et dans ce flux palpitant d’impressions multicolores, on sent d’une part l’exigence d’un cinéaste à travers les années de tournage, de montage, de collages, de surimpressions, d'inventions et de désirs sans cesse renouvelés mais aussi l’exigence d’un homme qui aura su tenir la beauté d’une vie sans compromis.

POSITANO, France, 1968, 28’

Avec Tina Aumont, Pierre Clémenti, Margareth Clémenti, Balthazar Clémenti, Philippe Garrel, Jean-Pierre Kalfon, Valérie Lagrange, Frédéric Pardo, Nico, Viva…

Positano est une île de la côte amalfitaine que Neptune aurait, selon la légende, créé par amour d’une nymphe. Et c’est bien d’amour que ce film parle avant tout, un amour total et solaire dans lequel la famille et les amis sont saisis dans un même champ poétique. Juchée sur les rochers de l’île, la maison de Frédéric Pardo et Tina Aumont est devenue en 1968 un lieu de rencontres pour la communauté underground. Pierre Clémenti y séjourne quelques temps et y tourne des images d’une sensualité éblouissante. Au-delà du regard intimement amoureux que Clémenti porte sur ces visages et ces corps souvent nus dans ce paysage méditerranéen, le film nous révèle la beauté émouvante d’une utopie où le vivre ensemble pouvait encore se réaliser dans un territoire de partage et de création permanente.

SOUVENIRS SOUVENIRS, France, 1967-1978, 27’

Avec Pierre Clémenti, Philippe Garrel, Catherine Deneuve, Jean-Pierre Kalfon, Bulle Ogier, Bernadette Lafont, Marc’O

Souvenirs Souvenirs est un kaléidoscope d’instants volés et de portraits sublimés. D’un autoportrait à la Dürer, en passant par les tournages de Benjamin les mémoires d’un puceau de Michel Deville, des Idoles de Marc’O, du Lit de la vierge de Philippe Garrel ou de Chromo Sud d’Etienne O’Leary, ce sont dix ans de vie-cinéma qui irradient devant nos yeux comme un chant d’amour. On retrouve tous les visages familiers de la tribu de Clémenti, des instants perdus dans Paris, des rencontres à peine esquissées le temps d’un regard. Radical, tant au niveau pictural que rythmique, le film multiplie les sensations dans un foisonnement de textures et de surimpressions. Passant du positif au négatif, de la couleur au noir et blanc, les images défilent comme les perceptions vibratiles d’un voyage halluciné. Souvenirs Souvenirs est un film d’amour et d’anarchie, un témoignage unique sur une époque où le cinéma semblait naître spontanément et s’accordait naturellement aux désirs de ceux qui le fabriquaient.

Si Pierre Clémenti n’a jamais sonorisé ses films-carnets de vie, c’est qu’il a souvent préféré les confronter à la réalité de sonorisations vivantes au cours de ses projections. Les concerts, souvent improvisés donnaient alors une seconde vie à ses images. Ce concert inédit de Joana Preiss et Magic Malik nous donne ainsi l’occasion de rendre l’hommage le plus juste aux films-vie de Pierre Clémenti.

«Balbutiements, fulgurances, illuminations, intimité révélée qui entrouvre la fente radieuse de la conscience, long serpent multicolore, ruban se frayant un passage à l’appel des signes. Le feu excise le point de non retour. Les ailes me sont poussées pour m’envoler, te chercher, te prendre.... » Pierre Clémenti

Joana Preiss est née à Marseille. Formée au chant lyrique et à la musique contemporaine, elle arrive à Paris à 18 ans où elle entame un parcours aussi surprenant que passionnant. D’abord actrice au théâtre, elle devient très vite l’égérie des créateurs de mode les plus singuliers. Nan Goldin l’immortalisera dans des portraits où la féminité brûlante de son corps androgyne irradie chaque instant volé. Elle s’inscrit alors comme une des figures incontournables du cinéma d’auteur[1] en enchaînant des rôles dans un jeu fragile et tendu avant de réaliser son premier film, Sibérie. Tout au long de ce parcours foisonnant, elle n’a jamais abandonné le chant qu’elle considère depuis toujours comme son plus grand espace de libertés. Elle chante avec quelques uns des plus pointus des musiciens expérimentaux, Jean-Yves Bosseur, Céleste Boursier-Mougenot, Vincent Epplay, Frédéric Danos,… et tout récemment, avec Lou-Rambert Preiss, son fils avec qui elle se produit régulièrement en duo. Sa voix d’Alto, rauque et chaleureuse, parfois animale, a quelque chose de l’ordre de l’incantation, un chant ancestral qui fait resurgir comme les échos du monde sauvage.

Magic Malik est né à Abidjan. Il grandit en Guadeloupe. A sa sortie du conservatoire, il glisse rapidement du classique vers le jazz, avec le désir de retrouver le son de ses origines afro-caribéennes et de composer avec une plus grande liberté d'improvisation. Malik multiplie alors les collaborations en tant que flûtiste-arrangeur avec Lio, Teri Moise, Laurent Garnier, Saint Germain,… avant de fonder son groupe Magic Malik Orchestra avec lequel il enregistre son premier album avec 13 musiciens. Depuis quinze ans, parallèlement à la réalisation de ses nombreux albums, la sonorité de sa flûte enchantée figure sur bien des titres. De la house jazzy de St Germain aux formules mathématiques de Steve Coleman, des productions des Troublemakers, de Camille, en passant par Air à celles de Vincent Ségal, Magic Malik est avant tout un chercheur de sons et un défricheur de talents. L’écriture de ses partitions tient d’une arithmétique précise de contrepoints polyphoniques où chaque phase musicale déconcerte. Sa musique s’apparente à la langue des oiseaux, c’est une alchimie de sonorités complexes, une traversée des sens, un chemin initiatique. L’une des particularités du jeu de Magic Malik s’impose avec l'utilisation du growl. Le souffle, la vibration de l’instrument et de la voix nous transportent au royaume de l’air dans un voyage hallucinant entre musique contemporaine, électro, pop et jazz.

Ensemble Horizonte

Mythes & Modernité

dimanche 12 octobre à 20h

Musique de Iannis Xenakis, Giacinto Scelsi, Salvatore Sciarrino, Jean Luc Darbellay, Jérôme Combier, Valerio Sannicandro (CF), Jörg-Peter Mittmann (CF)

Le programme explore des oeuvres de compositeurs contemporains où la pensée rationnelle abstraite se trouve débordée par une pensée pré-rationnelle, « mythique », renouant avec une représentation du monde où l’allégorie permet d’illustrer ce que l’abstrait conceptuel ne peut exprimer.
Qu’en est-il de la pensée mythique dans le monde moderne où la pensée logique, la vérification empirique semble prendre le pas.
Plusieurs courants esthétiques et scientifiques du 20e siècle (le néopositivisme, le constructivisme, le sérialisme, la poésie concrète par exemple) adoptent ainsi une position résolument anti métaphysique.
En musique, le son et le motif sont réduits à des relations de structures, ... Une conception qui, cependant, connaît des fissures…

Programme :
.Jérôme Combier (* 1971) Manière noir (2006) pour 5 musiciens
.Giacinto Scelsi (1905-1988) Arc en ciel (1973) pour 2 cordes
Younghi Pagh-Paan (* 1945) Rast in einem alten Kloster (1992/94)
pour flûte basse
Jörg-Peter Mittmann (* 1962) Lamento (2008) [Création française]
Musik mit Monteverdi pour 7 musiciens
Salvatore Sciarrino (* 1947) Muro d’Orizzonte (1985)
pour flûte, cor anglais et clarinette
Valerio Sannicandro (* 1975) Silvae (2013) [Création française]
pour flûte, cor anglais, clarinette, violine, alto, violoncelle et harpe
Iannis Xenakis (1922-2001) Charisma (1971)
pour clarinette et violoncelle
Jean-Luc Darbellay (* 1946) Mythos (2013) [Création française]
pour 6 musiciens

Ensemble Horizonte :
Dante Montoya (flûte) Jörg-Peter Mittmann (hautbois)
Merve Kazokoglu (clarinette) Helene Schütz (harpe)
Mareike Neumann (violine) Maria Pache (alto)
Johanna Zur (violoncello)
direction: Valerio Sannicandro

festival Crak 2014

Jeudi 25 septembre - 20h

.Michel DONEDA (saxophone-FR) / LÊ QUAN Ninh (percussion - FR)

.John CAGE « concerto pour piano préparé et orchestre de chambre »
.Morton FELDMAN « piano and orchestra »

avec John TILBURY (piano - UK), Le BALCON, l’ONCEIM, IMPROMPTU (orchestres - FR), Maxime PASCAL (direction)

.Cellule d'intervention METAMKINE

Christophe AUGER (projecteurs 16mm - FR), Xavier QUÉREL (projecteurs 16mm - FR) et Jérôme NOETINGER (dispositif électro acoustique - FR)

Vendredi 26 septembre - 20h

.STREIFENJUNKO

Eivind LØNNING (trompette - NO) et Espen REINERTSEN (saxophone - NO)

.Stephen O’MALLEY / ONCEIM "new commissioned piece for orchestra"

ONCEIM (orchestre - FR)

.MURAL + Kjell BJØRGEENGEN
Ingar ZACH (percussion - NO), Kim MHYR (guitare - NO), Jim DENLEY (flûte - AU), Kjell BJØRGEENGEN (vidéo - NO)

Samedi 27 septembre - 20h

.Stine JANVIN MOTLAND (voix solo - NO)

.KONK PACK

Thomas LEHN (Synthétiseur Analogique - DE), Tim HODGKINSON (lap steel guitar, electroniques, clarinette - UK), Roger TURNER (batterie & percussion - UK)

.OISEAUX TEMPÊTES + Karel DOING

Frédéric D. OBERLAND (guitare, synthétiseur, saxophone - FR), Stéphane PIGNEUL (Basse VI, synthétiseur - FR), Ben Mc CONNELL (batterie - US), Karel DOING (films 16mm et vidéos -NL)

Retrouvez tout le programme en détail sur le site du festival :

http://crakfestival.com/

Le festival Crak remercie chaleureusement la Muse en Circuit et l'émission A l'Improviste pour leur soutien !

Un-visible

performances

dimanche 21 septembre à 14h, 15h, 16h et 17h

Performeur et spectateur partent en déambulation dans les multiples espaces de l'église Saint Merry et de ses alentours.
A l'intérieur de cette marche, qui peut se transformer en danse, en course, en suspension, les relations entre le visible et l’invisible se tissent.
De nouveaux liens se révèlent entre les paysages intérieurs et extérieurs, grâce à un état de conscience qui se situe entre le rêve lucide et la réalité.

Conception et direction : Malena Beer
Assistante artistique : Andrea Dillon
Performeurs : Paulina Rucarba, Silvia Di Rienzo, Andrea Dillon, Marjorie Moy, Malena Beer,Gabriela Gobbi

Malena Beer est chorégraphe, danseuse, et professeur de yoga.
Développant un travail original qui exploite et questionne les conditionnements du corps et de la perception du réel, il s'agit pour elle d’explorer notre perméabilité, de rendre nos surfaces réceptives à un aller-retour entre le dedans et le dehors du corps.
Ses performances et projets chorégraphiques on été presentés en France et dans divers pays en Europe et à l'international.
"Un-visible" à été programmée en février 2014 au Palais de Tokyo, dans le cadre de l'exposition “Des choses en moins, des choses en plus” - une exposition inédite autour des collections vivantes du Centre national des arts plastiques (CNAP).

Tarif pour une performance avec un danseur : 10 €
Inscription auprès de la compagnie Malena Beer : ciemalenabeer@gmail.com

ONCEIM

nouvelles créations (Bertrand Denzler - Arnaud Rivière)
improvisation

vendredi 27 juin à 20h30

ONCEIM avec Pierre-Antoine Badaroux (saxophone alto), Félicie Bazelaire (violoncelle), Sébastien Beliah (contrebasse), Patricia Bosshard (violon), Cyprien Busolini (alto), Massimo Carrozzo (clarinettes), Giani Caserotto (guitare), Xavier Charles (clarinette), Pierre Cussac (accordéon), Jean Daufresne (euphonium), Bertrand Denzler (saxophone ténor), Vianney Desplantes (euphonium), Benjamin Dousteyssier (saxophone baryton), Jean Dousteyssier (clarinette), Benjamin Duboc (contrebasse), Yoann Durant (saxophone alto), Rémi Durupt (percussion), Elodie Gaudet (alto), Antonin Gerbal (batterie), Antonin-Tri Hoang (clarinette), Louis Laurain (trompette), Carmen Lefrançois (saxophone baryton), Julien Loutelier (batterie), Jean-Sébastien Mariage (guitare), Frédéric Marty (contrebasse), Arnaud Rivière (électronique), Joris Rühl (clarinette), Diemo Schwarz (électronique), Alvise Sinivia (piano), Deborah Walker (violoncelle).

PROGRAMME :

"Morph" de Bertrand DENZLER
"Encore" de Arnaud RIVIÈRE

Improvisation

L'ONCEIM est soutenu par la DRAC ïle de France

Jakob ULLMANN - Klaus LANG

.mollusques et insectes (2014)

Dafne Vicente-Sandoval, basson
Klaus Lang, orgue

.Son Imaginaire III (1989)

pour ensemble de Jakob Ullmann

vendredi 20 juin à 20h30

PROGRAMME :

.mollusques et insectes (2014)

Dafne Vicente-Sandoval, basson
Klaus Lang, orgue

Je suppose qu'un escargot et un insecte habitent deux temporalités totalement différentes. Imaginons-les face à un arrêt d'autobus :

Pour l'escargot, les autobus se déplacent à une vitesse incroyablement rapide. Il ne perçoit probablement pas une succession d'autobus différenciés, qui arrivent et quittent l'arrêt, mais crée, à partir de la séquence de plusieurs autobus, une ligne continue (de même que nous construisons un son à partir d'une série d'impulsions). Les autobus successifs deviennent alors un objet substantiellement stable à la densité changeante.

Un insecte rapide et éphémère, possédant une perception visuelle extrêmement développée qui opère à très grande vitesse, percevra un seul autobus comme une série d'impulsions lumineuses colorées- et non pas comme l'objet tangible et stable que nous appelons autobus.

En musique, il existe différentes techniques d'organisation temporelle qu'on pourrait assimiler à ces deux façons opposées de percevoir :
1. les glissandi continus ou les longues notes tenues.
2. la figuration ou l'ornementation.

Deux instruments différents aux propriétés acoustiques distinctes et deux interprètes différents aux approches esthétiques singulières utilisent ces différentes techniques.
Parfois, la combinaison de ces différences engendre un résultat musicalement rempli de sens - mais parfois un phénomène paradoxal peut aussi être observé : un son "stable" semble s'animer d'une foule de mouvements intérieurs alors qu'une séquence de sons soudain s'immobilise.

. Son Imaginaire III pour ensemble de Jakob Ullmann (1989)

La musique sans compromis de Jakob Ullmann se caractérise par l'utilisation de sons au volume faible, qui évoluent imperceptiblement au sein d'une durée étendue. Ses compositions créent une expérience auditive radicale, qui submerge progressivement l'auditeur dans des zones raréfiées, entre le rien et le presque rien, ouvrant l'écoute à une complexité sonore insoupçonnée.

Composée en 1989, Son Imaginaire III est une pièce à la notation graphique, qui requière de ses interprètes un certain nombre de décisions, prises collectivement ou individuellement. Les graphiques réalisés ont été directement inspirés par les partitions graphiques de divers compositeurs (Cage, Xenakis,...) que Jakob Ullmann découvrit dans les années 70 lors de longues heures passées dans la bibliothèque de Dresde, ville située à cette époque en Allemagne de l'Est.

L'ensemble est divisé en trois groupes, repartis au sein de l'espace de la performance. Le jeu des instruments à vents et à cordes a recours aussi bien à des sons à la hauteur reconnaissable qu'à un matériau bruitiste, brouillant toute hiérarchie entre ces deux paramètres sonores.
Après diverses tentatives avortées, dues à son caractère controversé, Son Imaginaire III n'a été créée dans son intégralité qu'en 2013 au festival de Huddersfield (Angleterre) par n s m b l.

 n s m b l   :

Dafne Vicente-Sandoval // basson
Lawrence Williams // saxophone alto
Christian Kobi // saxophone  soprano
Joris Ruhl // clarinette basse
Albin Lebossé // cor
Ellen Fallowfield // violoncelle
Deborah Walker // violoncelle
Jane Dickson // piano

n s m b l  est un ensemble de musique contemporaine, qui se consacre à l'interprétation de partitions graphiques ou présentant un système de notation alternative.  

n s m b l concentre son travail autour de pièces méconnues, se distinguant par une certaine singularité, et favorise les oeuvres écrites par des compositeurs ou des artistes sonores vivants. Privilégiant les collaborations sur le long terme et le qualitatif sur le quantitatif, cet ensemble ne cherche pas à jouer un répertoire large et varié, mais un nombre réduit d'oeuvres requérant un haut degré d'exigence de la part de ses interprètes. En concert, la volonté de constituer un programme clair et radical du point de vue esthétique les incite à choisir volontiers une seule et unique pièce de longue durée.

n s m b l se positionne sur la ligne départageant composition, improvisation et interprétation, mais joue exclusivement des pièces écrites et ne se considère pas comme un ensemble de musique improvisée. Il essaye, autant que possible, d'alimenter un dialogue direct avec le compositeur, utilisant la partition comme pivot pour réunir ensemble et compositeur.

n s m b l réunit des musiciens issus de parcours artistiques différents, s'appuyant sur cette hétérogénéité pour nourrir le travail collectif de l'ensemble. Cet échange de savoir-faire apporte une richesse particulière à l'approche musicale qu'ils proposent.

Soirée organisée avec le soutien du forum culturel autrichien et du Goethe Institut

MANIFESTE 2014

Philippe Leroux II

jeudi 19 juin à 20h

Dans le cadre du festival MANIFESTE 2014, en collaboration avec l'IRCAM et l'ensemble ACCROCHE NOTE.

Continuo(ns), De la texture, De la vitesse… tous les titres de Philippe Leroux désignent le mouvement et le transitoire, caractéristiques de son esthétique. Réitération et pulsation obstinée sollicitent immédiatement la mémoire de l’auditeur. L’expérience de la musique électroacoustique et la pratique de la musique mixte, une double attention au phénomène sonore et au symbolique graphique, ainsi les neumes grégoriens dans Je brûle, sont fondatrices pour Leroux. À ses côtés, Accroche Note convie deux compositeurs familiers de l’Ircam, ici entièrement focalisés sur la voix. Marco Momi pour la création d’un quasi-requiem et Pierre Jodlowski qui choisit une zone de dépression et d’ombre, un discours « entravé par une force obscure qui empêche le déroulement normal des choses ».

PROGRAMME :

Philippe Leroux Continuo(ns); Je brûle, dit-elle un jour à un camarade

Marco Momi Almost Requiem, commande d’État, création

Pierre Jodlowski Ombra della Mente, commande d’État, création française

Ensemble Accroche Note
Assistant musical et prises de sons originales : François Donato

Production Accroche Note. Coproduction Ircam-Centre Pompidou et BABBEL Productions. Avec le soutien de la Sacem.

Elsa WOLLIASTON - Frédéric BLONDY

Duo danse - piano

mercredi 11 juin à 20h30

Elsa Wolliaston, chorégraphie et danse

Frédéric Blondy, piano

À propos d’Elsa Wolliaston on parle peu de la danse proprement dite, son art atteint un point d’humanité et de nécessité qui désarme l’analyse. On parle d’elle, de ce qu’elle fait vivre à chacun, et elle, elle parle de ce qu’elle a rencontré et recueilli sur son chemin. Dans ses spectacles elle met en œuvre à l’état brut le son, la lumière, l’espace, le sol, en tant qu’éléments, tels l’eau, la terre, le feu, animés par son propre corps. «En Afrique on croit que la danse est l’envol de la marche… un pas au-delà… ». Aussi libre que rigoureuse, elle crée un monde dans lequel chacun trace son propre chemin et découvre ou redécouvre ses expériences et ses émotions vitales.

Elsa Wolliaston est danseuse, chorégraphe, et pédagogue, a dansé sur tous les continents, et collaboré avec musiciens, chorégraphes, metteurs en scène, plasticiens avec lesquels elle partage une place essentielle dans l’art contemporain.

Frédéric Blondy est l'un des pianistes les plus aventureux d’aujourd’hui. Son courage, son audace associés à un abandon plein de grâce dessinent une voix singulière dans laquelle se joue joie et tristesse, rire et fureur, où comédie et tragédie se combinent en un hymne mystique qui célèbre les idées et la création.
Il commande le clavier comme un magicien qui sonde les confins de son art. Ses doigts sculptent l'air à une vitesse féroce ou avec un splendide éclat plein de grâce, selon l'endroit où son esprit fertile le conduit. Il est à la fois pianiste et chef d'orchestre, sa palette musicale surgissant des cordes martelées par les feutres, pincées par les doigts, frappé par les poings serrés,…, comme autant de mélodies et d’harmonies rugissant du coeur de ce piano presque irréel. M. Blondy est un véritable Ulysse quand il s'agit d'entreprendre une aventure musicale sur son instrument. Piano seul qui devient un orchestre symphonique complet dont le musicien ingénieux s'élançant d'un instrument à l'autre, tire partie de chacun d'eux à la fois. « the world music report » - Raul da Gama

Découvrer le duo en regardant la vidéo de leur précédant spectacle :

"Vivre commence toujours Maintenant"

FESTIVAL "LE CLASSIQUE c'est pour les vieux"

Les Rendez-Vous Contemporains s'associent au festival à la 3ème édition du festival "LE CLASSIQUE c'est pour les vieux".

vendredi 6 juin à 20h

AU PROGRAMME :

20h. L'ITINÉRAIRE "reflets dans l'espace"

21h30. Duo LINKS "studi sulla note"

EN DÉTAIL :

20h00 : L'Itinéraire

Igor Stravinsky
Fanfare for a New Theatre (1964) , pour deux trompettes (1')
Roger Tessier
Scène II (1986) pour clarinette en si bémol et vibraphone (8')
Toru Takemitsu
Paths (1994) pour trompette (5')
Luigi Nono
Sofferte onde serene (1976) pour piano et bande (13')
Gérard Grisey
Stèle (1995) pour deux percussionnistes (7')
Morton Feldman
A very short trumpet piece (1986) pour trompette (5')
Frederik Neyrinck
Klangstudien (2012) pour clarinette en si bémol et piano, extraits (5-7')
Fuminori Tanada
Echoing Waves I (2009) pour deux trompettes (6')

Les musiciens de l'Itinéraire :
Fuminori Tanada, piano
Christophe Bredeloup et Benoît Masson, percussion
Gérard Boulanger et André Feydy, trompettes
Pierre Genisson, clarinette
Karim Haddad, diffusion sonore

21h30 : duo Links

Laurent Durupt, Studi sulla Notte

Laurent Durupt, piano
Rémi Durupt, percussion

A partir de 23h, la soirée se poursuivra au 59 rue de Rivoli avec un concert du Cabaret Contemporain.

Suivez l'intégralité du festival sur leur page Facebook

Ingar ZACH - Espen REINERTSEN - Eivind LØNNING - Frédéric BLONDY

Quartet inédit

vendredi 30 mai à 20h30

Ingar Zach (percussion)
Espen Reinertsen (saxophone ténor)

Eivind Lønning (trompette)

Frédéric Blondy (piano)

Eivind Lønning et Espen Reinertsen forment le duo de musique improvisée Streifenjunko. Ils sont tous les deux issus du Trondheim Jazz Conservatory et originaires d'Oslo. Le saxophone ténor et la trompette, forme un duo aux sonorités inattendues, un jeu rythmique et harmonique fascinant.
Ils retrouvent ici les percussions d'Ingar Zach et le piano de Frédéric Blondy. Deux musiciens incontournables de la scène des musiques improvisée dont les parcours et collaborations sont d'une infinie richesse.

Un concert à ne pas manquer qui viendra cloturer trois jours de résidence.

En attendant le concert, vous pouvez
.découvrir le duo Streifenjunko :

en écoutant leur album

ou

en regardant un extrait vidéo

.redécouvrir Ingar Zach :
en regardant la vidéo de son solo à l'émission A l'improviste de Anne Montaron

.redécouvrir Frédéric Blondy :

en regardant la vidéo du spectacle "Vivre commence toujours Maintenant" en duo avec la danseuse Elsa Wolliaston

Reinhold FRIEDL - Ensemble 2e2m

Focus Reinhold Friedl

vendredi 23 mai à 20h

Dans le cadre du FESTIVAL EXTENSION

Reinhold Friedl a développé une technique toute personnelle afin de faire sonner le piano comme un orchestre qu’il a appelée « inside-piano ». Entre attaques aggressives et bruitistes, grands mouvements que l’on croirait sortis d’un chœur symphonique, fibrillations de sons complexes et étranges résonants autour de la préparation d’une note précise, Reinhold Friedl apporte une nouvelle dimension sonore au piano et à notre écoute de cet instrument.
À l’occasion de cette soirée qui lui sera consacrée, il nous proposera une improvisation pour piano dont il a le secret. Mais c’est également l’occasion de faire découvrir sa facette de compositeur, avec l’Ensemble 2e2m qui interprétera ses deux quatuors à cordes.

Reinhold Friedl, Inside-piano, improvisation pour piano préparé

Reinhold Friedl, Streichquartett n°1, pour quatuor à cordes et inside-piano

Reinhold Friedl, Streichquartett n°2, pour quatuor à cordes

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Reinhold FRIEDL

Reinhold Friedl, né en 1964, vit à Berlin depuis 1987. Il a étudié le piano auprès de Renate Werner, Alan Marks et Alexander von Schlippenbach, et les mathématiques et la musicologie à Stuttgart et à Berlin. En tant que performer, interprète et compositeur, il a reçu de nombreuses bourses – Eurocréation Paris, la bourse Rome (Villa Serpentara) de l’Académie des arts de Berlin, STEIM Amsterdam-, ainsi que de nombreuses commandes. Reinhold Friedl a été publié dans des magazines et journaux professionnels, et a dirigé un séminaire intitulé « Musique et mathématiques » au département de mathématiques de l’Université libre de Berlin avec le professeur Behrends. Il a fondé et dirigé les ensembles Piano-Inside-Out et ZEITKRATZER. Friedl a travaillé comme conservateur du Centre pour les arts contemporains Podewil à Berlin et a dirigé la conférence internationale de musique assistée par ordinateur Off-ICMC en 2000. Il a été invité à faire partie du jury de Ars Electronica et de la Fondation Gulbenkian à Lisbonne. En tant que pianiste et compositeur, il a travaillé avec les musiciens et compositeurs tels que Lee Ranaldo (Sonic Youth), Phill Niblock, Helmut Oehring, Nicolas Collins, Lou Reed, MERZBOW (Masami Akita), Radu Malfatti, Bernhard Guenter, Mario Bertoncini (nuova consonanza), Keiji Haino, et a enregistré un nombre incalculable de fois pour la radio et des CD. Récemment, il a réalisé le projet "spazialisation piano-project" aux studios ZKM de Karsruhe et Asphodel à San Francisco. Le travail de Reinhold Frield se concentre principalement sur le inside-piano. Il a joué tout le répertoire spécialisé en utilisant les techniques du inside-piano et a publié de nombreux articles à ce sujet.
www.reinhold-friedl.de/

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Ensemble 2e2m

L’Ensemble 2e2m, fondé en 1972 par le compositeur Paul Méfano, est l’un des plus anciens et des plus prestigieux ensembles français consacrés à la création musicale d’aujourd’hui. Le sigle qui le désigne et qui signifie « études et expressions des modes musicaux » est devenu un acronyme - mieux, une devise garante de pluralisme et d’ouverture. Manière de dire que l’Ensemble n’a rien ignoré de ce qui s’est pratiqué depuis plus de quatre décennies. L’Ensemble a créé plus de six cents partitions. Plus important semble le fait que, bien avant d’autres, 2e2m révèle aux publics nombre de compositeurs considérés comme essentiels et crée un répertoire d’œuvres qui deviennent des jalons. L’Ensemble est un interprète incontournable des scènes nationales et internationales. Sans omettre l’éventail de tous les styles - classique, moderne et récent - 2e2m se veut dorénavant aussi acteur des nouvelles mixités artistiques.
www.ensemble2e2m.com/

Marie Friez
Issue d'une famille de musiciens, Marie Friez débute le violon à l'âge de quatre ans et obtiendra par la suite un Diplôme d'Etudes Musicales au CRR de Boulogne-Billancourt. Sa curiosité la pousse aussi bien à participer à la création d'œuvres contemporaines au sein de l'Ensemble 2e2m, à rejoindre des ensembles jouant sur instruments d'époques (La Chambre Philharmonique, Orchestre Les Siècles, Ensemble Matheus) ainsi que des orchestres symphoniques (Orchestre de Paris, Orchestre Poitou-Charentes, Orchestre de l'Opéra de Rouen, Orchestre des Pays de la Loire). Elle se produit en quatuor dans une adaptation de la flûte enchantée de Mozart au théâtre Comédia et au Théâtre des Variétés à Paris. Elle poursuit actuellement un cursus de musique ancienne au CRR d'Aubervilliers.

Pascal Robault
Pascal Robault a étudié le violon au CNSMD de Paris dans la classe de Michèle Auclair, puis l’alto auprès de Gérard Caussé au CNSMD de Lyon. Il s’est distingue? dans plusieurs concours internationaux et fut notamment laure?at, en 1983, du concours international d’alto Maurice Vieux a? Paris et de la Fondation Menuhin. Il se produit re?gulie?rement en soliste en France et a? l’e?tranger, explorant les formes les plus larges et les plus varie?es du re?pertoire de musique de chambre et de musique contemporaine. Son activite? s’articule principalement autour de la musique de chambre, la pe?dagogie et la musique contemporaine.

Elsa Balas
Diplômée du CNSMD de Lyon, elle joue régulièrement au sein de multiples orchestres français et européens tels que l'Orchestre Gustav Mahler, le Philharmonique de Radio-France, l'Orchestre de l'Opéra de Paris, l'Orchestre de Paris ou l'Orchestre de la Suisse Romande sous la direction de chefs comme Myun-Whun Chung, Claudio Abbado ou Pierre Boulez. En tant que chambriste, elle participe à de nombreux festivals (Musicades de Lyon, St Tropez, Jeunes Talents aux Archives Nationales de Paris) et pratique la viole d'amour dans le répertoire baroque et contemporain.

Benjamin Garnier
Benjamin Garnier étudie le violoncelle, la formation musicale, la musique de chambre et la musique ancienne. Après avoir été récompensé dans ces différentes disciplines avec notamment un prix de perfectionnement/concertiste mention très bien au CRR de Paris dans la classe de David Simpson, il obtient en 2009 le Certificat d’Aptitude de violoncelle. Il est aujourd’hui professeur de violoncelle au Conservatoire à Rayonnement Régional de Tours. Habitué de la musique de chambre (fondateur du Trio Chagar ainsi que du Quatuor Artesia), il se produit également en orchestre, notamment avec l’Orchestre Symphonique d’Orléans ainsi que l’Orchestre Région Centre-Tours.

Production La Muse en Circuit, Centre national de création musicale.

La soirée sera enregistrée par Radio France pour l'émission "Le concert contemporain" de Arnaud Merlin

soirée organisée avec le soutien de l'ONDA

ZOOR / Xavier CHARLES

vendredi 2 mai à 20h30

ZOOR

Bertrand Denzler . saxophone ténor

Jean-Sébastien Mariage . guitare électrique

Antonin Gerbal . batterie

« The trio create music that, over both tracks here, begins and ends on a neatly sustained plateau, a kind of constant state of anticipatory suspense that is determined to never resolve itself into anything more. » - Richard Pinnell, The Wire

« I didn't expect to play this release this long, but in fact I played it twice in a row. » - Frans de Waard, Vital Weekly

Depuis 2011, ZOOR réunit deux membres de Hubbub et le batteur de Peeping Tom. Le trio joue régulièrement en France, en Suisse et en Allemagne (Festival Météo Mulhouse, Festivals Umlaut Paris et Berlin, Pied Nu Le Havre, Cave12 Genève, Malterie Lille, Carré Bleu Poitiers...) et a inauguré la série At Work aux Instants Chavirés avec trois concerts en 2013.

ZOOR a publié son premier CD « Volumes A + B » sur Umlaut Records en janvier 2014.

Une interview avec les membres de ZOOR

www.inversus-doxa.fr/-Zoor-

www.umlautrecords.com/groups/zoor/ www.umlautrecords.com/u/records/volumes-a-b/

Xavier CHARLES

Clarinette solo

Xavier Charles pratique essentiellement l’improvisation, et multiplie les collaborations avec de nombreux musiciens en france et à l’étranger. Il a développé des techniques sur l’instrument inspirées par la matière, les sons du quotidien, du vivant. et les langages musicaux contemporains. Ses recherches sonores l’ont aussi orienté vers un système de haut-parleurs vibrants. Ses expériences l’emmènent aux frontières de la musique improvisée, du rock noisy, de l'électroacoustique, du jazz, de la musique traditionnelle.
Son travail d’improvisateur met en jeux la question de l’écoute et comment la réinventer.

www.xaviercharles.com

FESTIVAL SONIC PROTEST - I

Cette année les Rendez-Vous Contemporains accueillent le festival Sonic Protest pour deux soirées exceptionnelles !!

Première soirée :

Brigitte FONTAINE & Areski BELKACEM
avec Dondieu DIVIN

Mammane SANI

JÉRICHO

mardi 8 avril à 20h30

retrouvez le détail de cette soirée sur le site de SONIC PROTEST

Attention : Réservation vivement recommandée !!

15€/18€ | Réserver une place

soirée organisée avec le soutien de l'ONDA

FESTIVAL SONIC PROTEST - II

Deuxième soirée consacrée au festival Sonic Protest en collaboration avec les Instants Chavirés et la Muse en Circuit.

MERZBOW

ZEITKRATZER

SOUNDS OF SILENCE (Dj set)

jeudi 10 avril à 20h30

retrouvez le détail de la soirée sur le site de SONIC PROTEST

Attention : Réservation vivement recommandée !!

13€/16€ | Réserver une place

soirée organisée avec le soutien de l'ONDA et du Goethe Institut

ALESSANDRA ROMBOLÁ / JONAS KOCHER

deux solos (flûte et accordéon) mélangeant créations contemporaines et improvisations par deux artistes majeurs de la scène européenne.

vendredi 4 avril à 20h30

ALESSANDRA ROMBOLÁ

Continuum concert - flute solo

Alessandra Rombolá travaille avec différentes flûtes ainsi qu'une installation de différents objets en céramique : tuiles de différentes tailles et textures, des anneaux, des cloches, qui sont utilisés pour créer un contraste avec le son des flûtes.
Elle a développé un univers musical unique où la pierre et l'air co-existent dans un échange constant, parfois doux et léger, parfois brutal.

Continuum Concert est un solo concert-performance dans lequel l'improvisation et des œuvres écritent coexistent en un seul geste musical.
En improvisant, Alessandra tisse un lien qui maintient ensemble les différentes oeuvres, créant un continuum musical pour l'auditeur.

PROGRAMME :

Improvisation

Alireza Farhang : "Seihoun" (2011) pour flûte solo

Improvisation

Miguel Ángel Tolosa : "solo flûte" (2013)

JONAS KOCHER

Accordéon solo

De l'ultra-minimal et « silencieux » Thut (Wandelweiser), jusqu'aux clusters saturés de Chessex; des jeux sur la répétition et la micro tonalité de Kesten, en passant par les phénomènes sonores, battements et autres interférences électroacoustiques de Lucier ; un programme radical pour accordéon solo, explorant les extrêmes de l'instrument et proposant une écoute intense du son et du silence.

PROGRAMME :

Antoine Chessex (*1980) Decadere, CREATION
Stefan Thut (*1968) eine/r 1-6 (2007)
Christian Kesten (*1966) [untitled (solo for accordion)], CREATION
Alvin Lucier (*1931) Music for Accordion with Slow Sweep Pure Wave Oscillators (1993)

Accordéoniste et compositeur né en 1977, Jonas Kocher a étudié à la Haute Ecole des Arts de Berne avec Teodoro Anzellotti et Georges Aperghis, notamment.

Au début des années 2000, des collaborations avec les compositeurs et metteurs en scène Daniel Ott et Ruedi Häusermann ont constitué des expériences décisives pour la suite de son travail.
Actuellement, il collabore régulièrement en tant qu'accordéoniste improvisateur et dans des contextes conceptuels avec Michel Doneda, Christian Wolfarth, Olivier Toulemonde, Chris Heenan, Alfredo Costa Monteiro, Gaudenz Badrutt, Christian Kesten, ... . Dès 2009, accroissement sensible de ses activités, nombreux voyages et concerts en Suisse, Europe, USA et Japon.

Le travail de Jonas Kocher explore les relations entre son, bruit et silence, ainsi que le processus de l'écoute. En tant que compositeur, il réalise des oeuvres entre théâtre musical, installations et pièces de concert.

Ses compositions ont été jouées à la Biennale de Berne 2010, Theater Basel, Zentrum Paul Klee, Festival Encuentros Buenos Aires, Umlaut Festival Berlin, Centre Dürrenmatt Neuchâtel, Festival Concentus Moravie, Biennale de Zagreb, Festival des Jardins Musicaux Cernier, SMC Lausanne, etc… . Jonas Kocher s'occupe également du label Flexion Records.

www.jonaskocher.net

Projet réalisé avec le soutien de la Fondation Nicati – de Luze, de la Fondation SUISA, du Canton de Berne (commandes de composition à Chessex et Kesten) et de Pro Helvetia.

La Messe de terre de Michel Chion 

Une liturgie audio-logo-visuelle en 2 parties
Images et musiques concrètes
réalisation : Michel Chion

vendredi 21 mars à 20h

En parallèle à la sortie d'un DVD consacré à La Messe de terre de Michel Chion, Motus et les Rendez-Vous Contemporains proposent un concert de cette œuvre magistrale, mêlant la musique concrète et la vidéo.
L'oeuvre sera interprétée par Michel Chion et Jonathan Prager sur acousmonium Motus

"La Messe de terre, messe que j'appelle "audio-logo-visuelle",   est comme une grande composition de musique concrète incorporant des images elles aussi montées et composées, images que j'ai rassemblées, crées et truquées sur une vingtaine d'années. Le texte de la Messe catholique latine, que l'on entend psalmodié, murmuré, crié, est présent aussi sur l'image, par les sous-titres anglais et français. Mais l'image, qui emprunte au quotidien, au terrestre, ne fait voir aucune iconographie religieuse. C'est une Messe de superpositions de niveaux, où l'image, le texte, le son, sont la plupart du temps indépendants tout en étant coordonnés rythmiquement.

J'ai voulu que l'on vive un rituel de 150 minutes, une grande expérience du temps, et l'oeuvre est un chemin d'abord laborieux et caillouteux, puis de plus en plus continu, et l'on arrive sur des paliers, où des paysages se dévoilent. 

 L'oeuvre a d'abord été créée en 1996 à Locarno, en Suisse, comme une performance, à laquelle j'ajoutais ma participation vocale en direct. Je l'ai donnée dans plusieurs pays. Maintenant, elle est entièrement fixée sur support, et le DVD permet d'en faire une sorte de rituel domestique, de théâtre de l'attention. Mais l'orchestre de haut-parleurs, l'Acousmonium permet de lui donner un déploiement sonore et visuel incomparable."
Michel Chion

Michel Chion, né en 1947, compositeur de musique concrète (Requiem, la Tentation de saint Antoine, Tu, La vie en prose...),, écrivain, réalisateur, chercheur.  
Bibliographie et catalogue sur le site michelchion.com.

La Messe de terre a obtenu en 1996 le Grand Prix de la Ville de Locarno.

Musiques réalisées dans les studios de l’INA-GRM, de Musiques et Recherches à Ohain, et chez le compositeur. 
Une co-production Sono-Concept/ Périphérie 

Soirée proposée en co-réalisation avec Motus.

ENSEMBLE SILLAGES

concert et rencontre autour d’Allain Gaussin

vendredi 7 mars à 18h et 20h

Rencontre & dédicaces avec Allain Gaussin à 18h
Cette rencontre, élaborée entre le CDMC et Sillages, mettra particulièrement à l’honneur Allain Gaussin dont la sortie du CD monographique Harmonie des sphères (label Ameson) est concomitante de la sortie d’un livre d’entretiens du compositeur avec Michèle Tosi (Éditions MF). Elle réunira autour du compositeur, Sharon Kanach, Michèle Tosi et Philippe Arrii-Blachette et sera animée par Arnaud Merlin.

Rencontre suivie par le concert de l’ensemble Sillages à 20h

PROGRAMME :

Allain Gaussin : Le vent se lève pour flûte, clarinette, harpe et quatuor à cordes. Création, commande d’État, Chakra pour quatuor à cordes

Alex Mincek : Ali pour saxophone, Pendulum IV pour flûte contrebasse, saxophone ténor, violon, violoncelle. Révision 2013, création française

Francisco Guerrero : Concierto da camera (1978), flûte, clarinette basse, 2 violons, alto et violoncelle

Javier Torres Maldonado : Segundo Libro del Canto Alado pour clarinette et quatuor à cordes. Révision 2014, création française

avec Sophie Deshayes, flûte / Jean-Marc Fessard, clarinette / Christophe Saunière, harpe / Lionel Schmit, Alexandra Greffin Klein, violons / Gilles Deliège, alto / Ingrid Schoenlaub, violoncelle / Stéphane Sordet, saxophone.
Renaud Déjardin, direction musicale

www.ensemblesillages.com

La soirée sera enregistrée par Radio France.